On The Waterfront.

Hace muchísimo tiempo que tenía ganas de ver On The Waterfront (Nido De Ratas o La Ley Del Silencio, como la conocimos legendariamente por acá). Hace años. Recién me la conseguí en DVD hace poco más de un par de meses, y es recién ahora en vacaciones que pude verla con tranquilidad. Verla y digerirla como corresponde. Noe s menor para una película que, de por sí, despierta segundas lecturas de inmediato.

Una historia aparentemente poco atractiva sirvió para que Elia Kazan dijera que sí al guión de Budd Schulberg. De esta manera en 1954, se puso en marcha el proyecto, eligiendo a los actores. Estos saldrían de los Actors Studio, escuela de interpretación que llevaba el mismo realizador. El director americano de origen turco comenzó el proyecto sin saber que, al pasar los años, se hablaría de esta película como uno de los paradigmas de su género, y probablemente una de las mejores de la historia del cine (al menos, eso es lo que han dicho expertos en enciclopedias, reseñas y listados oficiales).


La historia se desarrolla en los muelles del puerto de Nueva York, donde un grupo de empresarios sin escrúpulos explotan a los trabajadores. La única ley que los empleados tienen que cumplir, es la de mantener la boca cerrada ante tanta injusticia. Elia Kazan deja vernos, en secuencias dramáticas de una fuerza sobrecogedora, algunas de estas injusticias. Consigue implicarte de tal manera en el problema, que desde un principio no puedes, aunque quieras, mantenerte al margen.


Por si esto fuera poco, el director mete en la trama de una manera delicadísima una historia de amor, de un amor imposible, que contrasta mucho con el mundo ausente de sentimientos de la mafia. Todo esto junto con la interpretación del elenco en su totalidad, la preciosa música de Leonard Bernstein, y la magnifica fotografía de Boris Kaufman, que recrea perfectamente el ambiente de los suburbios neoyorkinos, hacen que On The Waterfront tenga un nivel altísimo en lo que a producción se refiere.


Esta es una de esas películas que propone como modelo de actuar al auténtico héroe, ese que no es perfecto, y que al no serlo es mucho más cercano. De manera que los problemas de Terry (un increíble y genial Marlon Brando), se hacen nuestros. No es el héroe idílico, perfecto, y por tanto irreal, que el cine moderno muchas veces nos propone. Terry que no es precisamente un trabajador nato, tiene que tomar una decisión, de la cual depende su vida, y la de mucha gente. El padre Barry (Karl Malden) , un sacerdote católico preocupado por la situación, le ayudará a tomar esa decisión,y quebrantar la ley del silencio impuesta en los muelles. Además, Terry debe enfrentarse a su propio hermano, Charlie (un sólido Rod Steiger), en lo que es un viaje por la moral, los miedos, la desesperación y lo desconocido. Terry, sin lugar a dudas, se enfrenta a un dilema moral.


La trama de la película se interpreta de una manera diferente si se tiene en cuenta el gran detalle real de que Kazán fue uno de los soplones de la industria de Hollywood. La obra sirvió para justificar la delación de Kazan, que había testimoniado extensamente frente al Comité de Actividades Antiamericanas dirigido por el senador McCarthy. En la época de la caza de brujas, Kazan, que había formado parte del Partido Comunista, se libró de las represalias por delatar a sus compañeros de profesión. De hecho los sindicatos portuarios que en la época estaban controlados por los obreros de izquierdas aparecen en la película bajo el mando de mafiosos, en una traslación nada casual ni inocente. Ante el miedo de todos los demás obreros, la figura del delator, Terry Malloy, lejos de aparecer como un ser despreciable se eleva a niveles heroicos. Los delatores (Malloy/Brando y Kazan) son héroes, aunque no equiparables, mientras Malloy defiende su vida y reacciona ante la muerte de sus amigos, Kazan defendía su status social y económico.


Kazán no hizo más que sucumbir ante sus miedos. Cobardemente, quiso "asegurarse el puesto" en un período bastante negro dentro de la historia gringa. Este tipo condenó a guionistas, directores (Charlie Chaplin entre ellos) y elementos técnicos del primer nivel de aquel Hollywood que se plegó con la comisión de McCarty y que luego -cuando ya no le interesó- tiró por el barro a tipos como Elia Kazan. En el fondo, con On the Waterfront, Kazán no muestra arrepentimiento moral, sino que justifica su accionar de manera casi vergonzosa.

Era que no, la industria premió a On The Waterfront con todo cuando se estrenó. La película ganó ocho Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor principal (Marlon Brando), a la mejor actriz de reparto (Eva Marie Saint), a la mejor dirección artística, a la mejor fotografía, al mejor guión original, y al mejor montaje, y fue nominada a otros cuatro, tres en el apartado de mejor actor de reparto (Lee J. Cobb, Karl Malden y Rod Steiger), y a la mejor música.

En Last Tango In Paris, Brando le pregunta al personaje de María Schneider “¿Para que quieres tener hijos? ¿Para convertirlos en chivatos?” ¿Se habrá arrepintió Brando de trabajar con Kazán?

Véanla ustedes mismos y saquen sus propias conclusiones al respecto. La edición en DVD tiene algunos extras notables en lo que se refiere a la realización, pero omite las referencias a la relectura política se le puede hacer a On The Waterfront. De todas maneras, vale la pena el ejercicio.

Les dejo una escena clásica de On The Waterfront...

Monty Python's The Meaning Of Life.

Según la RAE, estos son algnuos de los significados de VIDA:

(Del lat. vita).
1) Fuerza o actividad interna sustancial, mediante la que obra el ser que la posee.
2) Estado de actividad de los seres orgánicos.
3) Unión del alma y del cuerpo.
4) Espacio de tiempo que transcurre desde el nacimiento de un animal o un vegetal hasta su muerte.
5) Duración de las cosas.
6) Modo de vivir en lo tocante a la fortuna o desgracia de una persona, o a las comodidades o incomodidades con que vive.

Por razones de espacio y de lata, o incluiré los 14 significados que recogió la búsqueda. ¿Para qué hacerlo? ¿La vida tiene significado? ¿Hay cielo e infierno? ¿Nos reencarnamos? ¿Por qué estamos aquí? Esas son algunas de las preguntas que nos hacemos cuando queremos saber el sentido de la vida. Las mismas preguntas que son parte de la canción de apertura de la obra maestra (¿otra más? sí, otra más :p) de Monty Python, llamada Monty Python´s The Meaning Of Life.

Después de la consagración tras lo arduo que fue el realizar Life Of Brian, los Python se juntaron nuevamente para trabajar en este proyecto sobre la vida en general, con todo lo que eso acarreaba. Con este proyecto en mente, los Python volvían a sus raíces del Flying Circus, ese legendario programa de la BBC donde sentaron las bases del humor absurdo y la mirada crítica hacia la sociedad contemporánea.

Tratar de explicar la trama es inútil. ¿La tiene en realidad? pareciera que no. Si se quiere hacer un relato que nos trate de explicar el significado de la vida, nunca se logrará de una manera lineal y medianamente coherente. Con los Monty Python esto queda de lado. Para Eric Idle, Michael Palin, John Cleese, Graham Champman, Terry Jones y Terry Gilliam, las convenciones no se aplican.

Es así como el filme parte con un corto que venía desarrollando el realizador gráfico Gilliam, responsable de toda la estética de caricatura absurda en las erie y en las 2 priemras películas de los Python. Gilliam comenzaba a afirmarsse etras las cámaras y el primer segmento, el memorable corto de los viejos de las oficinas de partes que se rebelan ante las corporaciones, con un delirante desenlace, en medio del “mar de la contabilidad”.

La película (o "feature presentation", si así lo prefieren) es una búsqueda infinita sobre lo que significa la vida. Para ello, recorremos las diversas etapas que vive un ser humano: su nacimiento, su niñez, su adolescencia, su adultez, su retiro y su muerte. Para ello, los Python se las ingenian de manera notable para dar cuenta d elos vicios, defectos, contradicciones, creencias, manifiestos, inquietudes y desventuras de nuestra especie.


¿Cómo logran darle algo de coherencia a lo que vemos? De forma grandilocuente, con sendos números musicales, efectos especiales inéditos para el formato de la comedia, situaciones de gente común y corriente contadas de manera extraordinaria, y un larguísimo etcétera. Para los Python, no hay temas ni situaciones prohibidas de mencionar o parodiar.

¿Ejemplos? La delirante secuencia de la niñez, en que un padre de familia católica(el siempre brillante Michael Palin) debe comunicarle a sus numerosos hijos que, tras no poder usar los métodos anticonceptivos, ha decidido donar a algunos de ellos a la ciencia. De inmediato, un musical digno de Broadway, con la canción "Every Sperm Is Sacred. Después del musical, podemos presenciar la percepción de un matrimonio de protestantes que tenía un solo hijo, con las consabidas diferencias.

Musical de Every Sperm Is Sacred


El paseo por la vida de un hombre nos lleva a la bizarra educación sexual en un colegio típico inglés, al ejército y las campañas de conquista-liberación, llevándonos a las exóticas vacaciones de un matrimonio de mediana edad, los que vana dar a un restorán que ofrece conversaciones en vez de comida; eligen "filoosfía", con delirantes consecuencias.


Lo que les conté recién es sólo algo de lo que podrán ver en esta gran colección de reflexiones de lo absurdo. Y, a decir verdad, carece completamente de sentido lógico y tradicional. Hay que verlo para creerlo, y verlo para disfrutarlo. A veces, toma más de dos veces el poder entender algo de lo que los Python tramaron con genialidad en The Meaning Of Life. Las palabras se hacen pocas o, derechamente, innecesarias para tratar de explicar de qué se trata en realidad The Meaning Of Life.


A pesar del potencial fracaso en el intento de explicar el sentido de la vida, los Monty Python logran salir airosos de tamaña labor. Como prueba, un dato freak: The Meaning Of Life ganó la palma de oro del Festival de Cannes en su oportunidad, marcando la consolidación definitiva del grupo de comediantes ingleses en la pantalla grande.

Y pensar que dicha consagración vino junto a la vuelta a las raíces. The Meaning Of Life continúa la tradición que los Monty Python iniciaron en el Flying Circus y, de alguna manera, cerraron un ciclo para emprender finalmente caminos individuales, ya sea actuando o dirigiendo.

Les recomiendo la edición especial doble en DVD, con cuantiosos y reveladores extras. Sencillamente indispensable para la vida humana. Un lujo.

Y el Galaxy Song, con las respuestas que dejan más interroganets aún. Un clásico.

Otro archivo más: Deep Purple en Chile, marzo 2006, de toma.cl.

Quería escribir sobre algo, pero esta vez paso. Mañana hay que trabajar en pos del primer elepé de Fother Muckers, y eso implica una levantá temprano. Como estamos de vacaciones y, en verdad, por un simple y puro antojo, pondré otro archivo.

Esta vez es el de la cobertura del tercer show que Deep Purple dio en nuestro país, el Sábado 25 de marzo recién pasado. Me tocó cubrirlo para http://www.toma.cl y, en verdad, no lo disfruté. Ya le dedicaré unas palabras a mi juicio a Deep Purple. Por ahora, el archivo:

DEEP PURPLE EN CHILE: MAS NOSTALGIA QUE VIGENCIA .

Sábado 25 de Marzo
Pista Atlética Estadio Nacional
12.000 personas

Por Héctor Muñoz Tapia.

La del Sábado fue una jornada de pura nostalgia. Sin temor a equivocarme, me atrevo a decir que había, al menos, tres generaciones de gente en la Pista Atlética para el show que se enmarca en la tercera venida a nuestro país de uno de los pilares del Hard Rock a nivel mundial.

Sin embargo, queda un sabor medio amargo con la dudosa longevidad de Deep Purple: si bien han editado discos con material nuevo en estos últimos años (el penúltimo, “Bananas”, y el que los trae de gira por Sudamérica, “Rapture of the deep”), los shows en vivo son bastante inusuales. No los llenan de clásicos calados, sino que hacen un recorrido por distintas etapas de su extensa carrera.

Además, los fantasmas de Ritchie Blackmore y Jon Lord pesan demasiado en la actual agrupación, donde siguen al pie del cañón Ian Gillan, Roger Glover e Ian Paice, quienes permanecen en sus puestos habituales secundados por Steve Morse (guitarrista desde hace unos 12 años aproximadamente) y Don Airey (reemplazando desde hace unos 4 años a Jon Lord), el aún quinteto sigue girando por el mundo, siendo una de las bandas más activas… en cuanto a shows en vivo se refiere.

La tercera vuelta de Deep Purple no deja de tener un contexto anecdótico. Fueron el número de cierre de la serie de recitales “Cristal en vivo”, y tenían de apertura a una banda que no necesariamente era la más adecuada para tamaña labor. El trío De Saloon tuvo una lamentable pasada por el escenario, cuando la Pista Atlética ya estaba colmada de fanáticos del hard rock marca MK2. No alcanzaron a estar ni 20 minutos tocando, en un ambiente lleno de pifias, indiferencia y nulo recibimiento. El trío cumplió con la presentación, pero su paso será más olvidado que recordado.

De esa forma, la espera para el plato central se hizo más larga. Un público ansioso coreaba los riffs más reconocibles de la carrera de los Purple, mientras, entre gemidos de ahogo, pedían agua a gritos. Tan puntual como un reloj inglés, a las 21 hrs se apagan las luces y la música de fondo. Es el momento de la tercera aparición de Deep Purple en nuestro país.


Primero asume posiciones Paice tras la batería. Al mismo tiempo, entran Morse, Glover y Airey a la guitarra, bajo y teclados. Finalmente, un canoso, pelicorto y vestido de negro Gillan se ubica frente al micrófono y saluda al respetable. En ese momento, la música habla, con la partida dada por “Pictures of home”, pegada sin respiro con “Thing I Never said”, y los primeros aplausos eufóricos de abuelos, padres e hijos se dejan escuchar, junto con los vítores hacia los Purple.


Ian Gillan habla demasiado. Trata de contar historias entre una canción y otra. Pequeños relatos introductores para lo que se viene. Nos cuenta algo así como “un hombre quería un trabajo, pero le dijeron que era el hombre equivocado”, todo esto para presentar “Wrong man”. Ya en la tercera canción, es evidente que es Steve Morse el que va llevando la batuta dentro de la puesta en escena de los Purple modelo siglo XXI. Y el show continúa, con la nueva “Rapture of the deep” y “Before time begin”. La voz de Ian Gillan sigue manteniendo un nivel elevado, aunque los años encima se le notan al moverse. No corre de un lado a otro y, más que un furioso vocalista virtuoso, ahora parece un señor en equilibrio espiritual, tratando de predicar con las incómodamente prolongadas interrupciones entre una canción y otra.

El show de los Purple sigue con “Mary long” y “Contact lost”, seguidas de una sección instrumental, previa presentación del maestro de ceremonias Gillan, comandadas por la guitarra efectiva de Morse. Lamentablemente, el momento instrumental parece más un efecto facilista que un gesto de homenaje. Con guiños innecesarios a “Heartbreaker” y “Stairway to heaven” de Led Zeppelin, no se logra más que confirmar lo faltos de chispa que parecen estar los Purple del nuevo milenio. Lamentable.

Las cosas mejoran bastante con un clásico sólido de los Purple de antaño. “Lazy” inunda la Pista Atlética, con un inspiradísimo Gillan cantando como si estuviese en 1972. El respetable salta con una energía que ya se quisieran muchos, y pareciera que la fe en Deep Purple vuelve a surgir.

Después de un solo del nuevo tecladista Airey y la conocida “Perfect strangers”, se viene una seguidilla de clásicos del Rock de todos los tiempos. Como viejos zorros que son, los Purple dejan toda la carne fuerte para el final. Así, basta con que “Space truckin´” se asome para que la audiencia se vuelva a entregar sumisa ante los sonidos contundentes de la banda.

Luego, una suelta y relajada intro para la poderosa “Highway star”, y cierra la tripleta una indispensable de todos los tiempos, aquel riff seminal para muchos aspirantes a guitarristas de Rock, la que es muy fácil de aprender y tan difícil de aprehender, incluso para un avezado como Morse; “Smoke on the water” lleva todo hacia al catarsis. Sin duda, el momento más alto de la jornada. Todos saltaron, todos corearon, todos emularon el seminal riff de guitarra. Un magnífico cierre de set.

Tras un interludio de menos de dos minutos, Deep Purple vuelve a escena. Quedan algunas “sorpresas” dentro del concierto. Sin aviso, el bajo de Glover nos transporta a 1968 y comienza a sonar por el sistema de amplificación “Hush”, donde se lucen todos con pasajes de improvisación notables. Después, un cierre de la mano de un clásico como “Black night”, con una despedida formal, muestra de lo conservadores en las formas que siempre ha sido una de las bandas fundamentales en el desarrollo del Rock duro y de proporciones épicas durante los 70, junto con Black Sabbath y Led Zeppelin.

La zona aledaña al escenario se ha despejado completamente. Hay un par de camionetas encendidas que los esperan para subirse. Rápidamente, los Purple bajan del escenario y se suben a esos amplios vehículos, mientras los que están pegados a la reja ven cómo se alejan. Por el sistema de amplificación comienza a sonar una hermosa canción de Otis Redding, “Sitting on a dock of a bay”, dando cierre a la intensa velada de buen hard rock. A pesar de toda la nostalgia involucrada, el espectáculo cumple con lo que ofrece: un bonito recuerdo. Pero no es más que eso. La vigencia es algo que no está presente acá.

Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band.

La primera vez que escuché el indispensable clásico de todos los tiempos de The Beatles, el Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band, fue a comienzos de octubre de 1993. Me estaba haciendo de la discografía de los Beatles en cinta de CrO2 y me compraron ese día el Revolver y el Sgt Pepper juntos. A pesar de conocer casi la mitad del disco por los singles habituales. Y me atrapó desde el primer momento. Recién en enero de 1995, en un viaje a la playa, compré el CD que estaba agotado en Santiago para Navidad.


Mucho se ha escrito y hablado sobre el famoso Sgt Pepper de The Beatles. Que es un disco que marcó un cisma dentro de la música popular. Que, después del Sgt Pepper, se empezó a hablar del rock como una expresión artística, revalidando a la contracultura como… cultura. Que con Sgt Pepper entramos a una etapa de discos conceptuales y música con un sentido claro. Que esto. Que lo otro. En fin: puras especulaciones.


Lo que importa acá en el Sgt Pepper es la música que pudieron crear los Beatles en las condiciones en que lo hicieron. Con las giras como algo del pasado, se concentraron en el estudio 2 de la EMI en Londres, el famoso Abbey Road, para comenzar a desarrollar composiciones complejas y de muchos elementos. Canciones que fuese casi imposible reproducir fielmente en vivo, y un deleite para el trabajo de estudio. Ahora, más que nunca, el aporte del legendario George Martin en la producción sería clave para canalizar las inquietudes de los Beatles y traducirlas en grabaciones.


La primera muestra de lo que iba a ser el Sgt Pepper se manifestó en el single doble de Strawberry Fields Forever y Penny Lane, en donde quedó claro en qué estaban John Lennon y Paul McCartney con respecto a la sicodelia: mientras Lennon gustaba de la experimentación de las formas y los métodos para grabar, McCartney se mostraba fuertemente influenciado por el Pet Sounds de The Beach Boys, con esos sonidos limpios, puros y celestiales. De cualquier forma, The Beatles estaban absorbiendo como una esponja todo su entorno de sicodelia, uso del LSD y apertura de mentes y sentidos.


Una idea innovadora fue con la que jugaron mientras grababan el disco, fue la de el concepto de esta banda alternativa, la de los Corazones Solitarios del Sgt Pepper. Un wen ejercicio para salirse de todo lo hecho anteriormente y entregarse tranquilamente al trabajo creativo. ¿Lo estaban grabando The Beatles o era la Lonely Hearts Club Band la que trabajaba? Sin duda que el límite de la realidad con la ficción aportó mucho para que las 13 canciones del disco ayudaran a conformar un todo. La idea de la banda del Sgt Pepper fue de Paul y se le ocurrió en un viaje a USA, cuando era hype el ponerle nombres estrambóticos a las bandas.


Contrario a lo que pudiera creerse, según afirma George Martin, Sgt Pepper nunca fue un disco conceptual. Si es que hay un concepto claro, éste sólo está presente en la apertura, con la presentación de la banda del Sgt Pepper y el número de Billy Shears, quien interpreta para el público. El resto, excelentes canciones que llevan al Rock más allá de lo que se conoció en 1967. Sgt Pepper amplía los límites de lo popular al incorporar elementos que parecían tan disímiles como las grabaciones al revés, las orquestaciones majestuosas, los sonidos hindúes de raíz, efectos varios y ruidos de animales, entre otras muchas cosas que están detalladas en esa verdadera Biblia para beatlemaníacos que es The Complete Beatles Recording Sessions. El rocanrol se fusiona con la música de salón, el jazz, la balada, lo circense y lo oriental.


Dando un paseo por el Sgt Peppers, nos encontramos con Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band, pegado de White A Little Help From My Friends (con la voz de Ringo Starr, obviamente), siguiendo con esa maravillosa y lisérgica Lucy In The Sky With Diamonds, que oficialmente fue inspirada por un dibujo de Julian, hijo de Lennon, hizo en el colegio. Después, el rocanrol con tinte optimista y jovial de Getting Better, donde MCartney se luce en arreglos y la guitarra filosa manda durante toda la canción; un verdadero deleite.

The Beatles - Getting Better

Powered by Castpost

Fixing A Hole, también de Paul, mezcla lo innovador de la mezcla de guitarras eléctricas distorsionadas con teclados y un tempo tipo años 20 o 30, haciendo parecer que hubiese sido escrita en esos tiempos, pero filtrada por el momento en que fue grabada. Después, la hermosa y melancólica She´s Leaving Home, que McCartney escribió inspirado en una historia que leyó sobre una chica que se fugó de casa. Resulta casi operático escuchar el coro, con Paul y John asumiendo los distintos roles.


El lado A lo cierra una verdadera joya compuesta por Lennon: Being For The Benedit Of Mr Kite, que nos traslada a un circo cargado de personajes extraños. Con pianolas, una batería hipnótica, sonidos de feria y la voz nasal y fría de Lennon, tiene posiblemente una de las mejores atmósferas que jamás creadas por un productor. Para crear la secuencia delirante en el “middle 8”, George Martin y el ingeniero de grabación, Geoff Emerik, cortaron en pedazos de 30 centímetros una cinta de efectos relacionados, uniendo dichos pedazos al azar.

El lado B lo abre la única canción de Harrison en el disco, Within You Without You, que se grabó casi íntegramente con cítaras e instrumentos hindú y músicos avezados. Recordemos que, en este período, George estaba cada vez más desencantado con al cultura pop y se sumergía con mayor interés en la cultura oriental; incluso, ya estaba considerando el hacer música con sus compañeros un “trabajo” más quee algo que disfrutara hacer.


Le sigue un verdadero clásico como When I´m 64, la canción que Paul le escribió a su padre, James, hace bastante tiempo, cuando era un adolescente con sueños de rocanrol. Una canción de amor con atmósfera de cabaret (por las flautas) y una letra encantadora, que la convierte en esos terrones de azúcar que sólo McCartney es capaz de hacer de manera creíble. Le sigue una de la misma línea, Lovely Rita, donde el piano protagonista hace lo suyo con grandes arreglos.


Después viene Good Morning Good Morning, en la que un gallo canta anunciando el amanecer, para dar lugar a una canción un tanto rara, como demasiado acelerada.Ideada por Lennon a partir de un aviso de copos de maiz kellogs, la que tiene a un gallo como figura de identificación. En el final se incorporaron una serie de ruidos de animales que en realidad se irían comiendo unos a otros con un orden perfecto de ellos y con el ruido del gallo pasamos a la proxima cancion. Casi llegando al final, la Reprise de la que abrió el disco (Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band [Reprise], para ser exactos) tiene básicamente su mismo ritmo, aunque sin los arreglos de viento y un tanto más movida, podría pasar por una canción típicamente popular, si no fuera por la guitarra rocanroler que lleva.


Y el final es un imperdible de todos los tiempos: A Day In The Life. Principalmente compuesta por John, parte relatando una noticia del diario sobre un accidente automovilístico, cantado con voz nasal y onírica por parte de John y al piano, de manera muy sencilla. permitiéndole hacer una visión critica muy especial de lo que se describe en la canción. Todo en un medio difuso y borroso, aunque bello y casi acústico, que va a ser sumergido poca a poca en un ascendente ruido sinfónico que se eleva y se eleva hasta lo más alto que permiten los instrumentos, como el sonido de un despegue o aterrizaje de un vuelo, pared de ruido que súbitamente se corta por un reloj despertador (la orquestación se grabó en una sesión a la que asistieron, entre otros, Mick Jagger, Keith Richards, Donovan y dos de los Monkees). Los sentidos se aclaran en la voz nítida y clara de McCartney hasta que de repente nos sumergimos en un sueño más profundo aún que el anterior; la voz de Lennon se debate flotante entre la marea de una orquesta Wagneriana, grandiosa, gigantesca. Otra vez estamos en medio de un sueño y otra vez el ruido del despegue o aterrizaje, una explosion y el abismo, con una nota de piano que parece interminable, terminando así la canción. Salvo el contendio de mucho de wen blues, A Day In the Life fue la primera canción grabada con explícitos mensajes sexuales: “I´d love to turn you on” era una frase que estaba en la cultura hace tiempo, pero que nadie había usado en un disco de música popular.

The Beatles - A Day In The Life (esta es del Anthology, y mezcla la primerísima toma con otros detalels interesante; notable escuchar solo la voz de Lennon y el piano al comienzo)

Powered by Castpost

Al final del disco unos ruidos de voces extrañas, segundos de galimatias aparentemente invertidas, nos hacen intuir un mensaje oculto. No había ninguna razón rebuscada para hacerlo, salvo algo práctico para llenar espacio: en realidad estas fueron grabadas para ocupar el último surco del disco siempre vacío y así evitar que la gente que no tenia tocadiscos automático no escuchara sin cesar el horrendo ruido de freidora que provocaba el ultimo surco vacío.


Hijo de la cultura pop, Sgt. Pepper contribuyó a elevar todavía más el arte pop. Durante un tiempo hizo furor; su portada fue reproducida hasta la saciedad en las revistas y su influencia se reflejó en películas de cine y televisión, en la decoración de interiores y en la moda. De hecho, el diseño de la portada de Sgt. Pepper es una celebración de la cultura popular. Detrás de los Beatles, vestidos una fotografía de los cuatro Beatles vestidos como sargentos delante de un collage de rostros célebres hay ídolos populares y amigos, como Bob Dylan, Marilyn Monroe y su doble británica Diana Dors, Marlon Brando, Lenny Bruce y muchos más. Brian Epstein, manager de los Beatles, se opuso a esta portada por la enorme cantidad de dinero que debían pagar por derechos para publicar las fotos. Pero estaban en una nueva era, y los nuevos Beatles hacían las cosas a su manera. La portada la diseñó el fotógrafo y artista plástico Peter Blake.


Otro detalle innovador fue la publicación de todas las letras en la contratapa. Nunca se había hecho esto antes en la música popular (ni siquiera el troesma, hasta el día de hoy, pone las letras en el arte del disco), permitiendo tener el acceso total a la lírica. Quizás esto gatilló que cada uno tuviera sus propias interpretaciones, para bien o para mal. La BBC censuró varias de las canciones del Sgt Pepper por “hacer alusión de forma directa al uso de drogas”. La misma institución que los apoyó en difusión y sesiones en vivo apenas unos años atrás les cerraba las puertas.


Esto no impidió que el disco se hiciera masivo en todo nivel, llegando a ser un símbolo del “verano de las flores”. Una vez más los Beatles canalizaban su entorno en su obra, cristalizando lo que percibían con siempre presente espíritu de búsqueda, la misma que terminaría con el grupo a fines de la década.

Para más info sobre las sesiones del Sgt Pepper, visiten una completa página en español sobre datos freak del Sgt Pepper.

Inside Deep Throat.

¿Se acuerdan de ese sketch de Plan Z, donde Rafael Gumucio hacía de un padre que le habla a su hijo de educación sexual? Le pasa una cinta de video vieja, con la película Deep Throat (Garganta Profunda, como todos la conocemos en el habla hispana), diciéndole que era un clásico y que había aprendido mucho de ahí.

¿Quién no ubica este verdadero clásico del cine triple X, sobre el cual se creó un montón de mitología? Dirigida por Gerard "Jerry" Damiano, quien cambió el negocio de peluquería por el de la realización de películas triple X, Deep Throat se centraba en una idea descabellada: el clítoris estaría en la garganta. Protagonizada pro Linda Lovelace y Harry Reems, Deep Throat se transformó en todo un fenómeno de masas en 1972, llevando al porno a las salas de cine regulares y generando un nuevo concepto, el "porno chic". Una vez que la película empezó a captar la atención del público a nivel nacional gracias en parte a las críticas en publicaciones como Variety y un artículo en The New York Times, a las menciones de todo el mundo desde Johnny Carson hasta respetados periodistas y a un aparente poder “de visión obligada” que atrajo a la alta sociedad y a las celebridades a los cines, Deep Throat consiguió más de lo que pretendía cuando se convirtió en el objetivo del intento de los políticos por limpiar lo que ellos consideraban como la marea de mugre que los 60 y los 70 habían arrastrado hacia las costas de Norteamérica.


El productor Brian Grazer tuvo la idea de hacer una película sobre Deep Throat y, en particular, sobre la vida de su protagonista, Linda Lovelace. Lamentablemente, Linda murió en un accidente automovilístico en el 2002, y dejó más interrogantes que certezas sobre su vida. Grazer todavía quería abordar el entorno de Deep Throat y decidió elaborar un documental sobre el fenómeno sociológico que involucró una película porno que, a modo de ejemplo, costó apenas 25 mil dólares el realizarla, pero que generó unos 600 millones de dólares a nivel mundial, siendo la película más rentable de toda la historia.


Es así como nace el documental Inside Deep Throat, dirigido por Fenton Bailey y Randy Barbato, los realizadores del galardonado documental The Eyes of Tammy Faye, y responsables de algunas de las entregas de Shock Video de HBO. Originalmente, iba a ser una película de ficción pero, tras la muerte de Linda Lovelace, se decidió hacer el documental. Después de más de 800 horas de material de entrevistas, se encontró la historia que debía contarse: el cisma socio-cultural que se originó tras Deep Throat. Como obra cinematográfica, no tiene casi valor alguno; a nivel estético, dista bastante de lo considerado de un estándar aceptable en nuestros días. Sin embargo, la interpretación entre líneas de Deep Throat fue, sin lugar a dudas, la liberación en todos los niveles.


El documental da cuenta de muchas cosas: la realización del filme, con Damiano dandod etalles sobre las locaciones y otras yerbas; el polémico primer período de estreno en Nueva York; la persecución por parte del gobierno de Nixon que, a la larga, fue la mejor publicidad que la película pudiera haber tenido; la censura y prohibición en los Estados Unidos; las acciones legales en contra de los involucrados, derivando en un juicio hacia Harry Reems; las consecuencias de este cisma socio cultural en la industria, etc.

No es casual que la voz en off que nos conduce a lo largo de este argumentado y lúdico estudio socio-político-industrial sobre la película que inaugurará el porno chic sea la de Dennis Hopper. Recordemos que Hopper fue uno de los protagonistas enloquecidos de aquella breve quimera de creatividad vivida en la industria cinematográfica e iniciada precisamente con Easy Rider, en 1969, su opera prima como director. Por tanto, el narrador del documental fue testigo directo de la polémica levantada en torno a Deep Throat.

Además, dado el talante radical de Hopper en la época, el espectador queda avisado de su posicionamiento, pese al tono aparentemente neutro que utiliza para narrar, si bien es cierto que desprende cierta ironía en sus comentarios, sobre todo cuando se refiere a determinados acontecimientos políticos y decisiones tomadas por la administración de Richard Nixon. Por ejemplo, el informe científico que se mandó realizar para demostrar la nocividad de la pornografía en la mente humana y que posteriormente fue rechazado al no coincidir con el veredicto dictado previa-mente por el gobierno. No resulta difícil hallar el paralelismo entre estas actitudes y las tomadas por Bush respecto a las armas químicas en Irak.


Viendo el entorno actual de gringolandia, con la mitad de la población cada vez más puritana y engañada por una administración que abusa de sus condiciones, la historia que narra el documental podría haber ocurrido perfectamente en estos años. Pareciera que, a grandes rasgos, nada ha cambiado desde 1972. Incide Deep Trota nos muestra cómo hemos y no hemos cambiado en nuestras percepciones y moral. Al parecer, la historia siempre se repite.

Estamos frente a un documental excelente y totalmente recomendable. Véanlo cuanto antes.

Hágalo Usted Mismo.

¿Se acuerdan de ese día Miércoles 26 de abril de este año, cuando comenzaron a difundir por las radios nacionales el primer single del nuevo material de Los Tres? La canción era Camino, y los juicios no tardaron en aparecer.


Según las impresiones inmediatas que pude captar en el primer par de días de rotación de la canción, la mayoría de los fanáticos que quedaron viudos con la separación de la banda chilena más importante de los 90 estaban seriamente decepcionados. “Es wena, pero me esperaba mucho más”; “aún espero la próxima Me Arrendé”; “¿qué les pasó a los cabros?”; “puta la wea!”. Eso era lo que se repetía. Una recepción para nada auspiciosa. Yo la defendí desde la primera vez que la escuché.


Después de darle muchas pasadas al disco, recién ahora me siento más o menos cómodo para escribir algunos caracteres sobre él. Porque ha sido un placer el disfrutar una y otra vez Hágalo Usted Mismo, la placa que trae de regreso a las pistas a Los tres. Claro que ahora sí que son tres: Álvaro Henríquez, Ángel Parra y Roberto “Titae” Lindl, sin Pancho Molina, quien se marginó de este regreso. El ambiente de relajo y distensión se sintió desde la primera escuchada de Camino.

¿Un disco con “más de lo mismo”? ¿Qué importa? Henríquez ha consolidado su estilo críptico, lúdico, melancólico e irremediablemente melódico a la hora de componer, y este disco tiene mucho de su mano. Por ahí leí que parecía que fuese una placa solista de Henríquez con invitados de lujo. No sé qué tanto haya de eso, pero el sello de sus composiciones lo han tenido a la altura de los grandes. Punto.


Como ya lo había hecho antes, Henríquez se inspira en aquellos que desprecia para dedicarles unas sutiles estocadas en la herida. Es así como toma el surrelista “no me acuerdo pero no es cierto; y si es cierto, no me acuerdo” que dijo absurdamente Pinochet a modo de “justificación”, para darle coro a No Es Cierto, la canción inaugural de Los Tres cosecha 2006 (:p). Una interesante línea de percusión, el bajo marcado de Titae, los arreglos de guitarra del siempre seco y poderoso parra y la lírica de Henríquez se despachan este futuro clásico. La melodía sigue mandando en la hermosa Alguien Como Tú, un verdadero dulce para los oídos con una letra bastante pesimista. Después, el guitarrón de Ángel Parra introduce con disonantes acordes una tonada de toque personal de Henríquez llamada Agua Bendita, resultando en una especie de cueca-tonada única.


Las cosas suben de ánimo con el primer single, Camino. Acá todo encaja perfectamente. Si me gustó desde la primera vez que la escuché, fue por el aire de relajo que transmite el coro; definitivamente, Los Tres del siglo XXI están cómodos entre ellos, disfrutando. La guitarra slide del capo Parra, las líneas del contrabajo de Titae y la rítmica y piano de Henríquez se mezclan de maravillas en una canción atemporal, con pasajes atmosféricos que decantan en el jovial coro. Tanto jolgorio luminoso debe ser porque la inspiración de la canción es la hija de Henríquez. Camino, sin dudas, está pintada para convertirse en un clásico contemporáneo, si es que ya no lo es. Un lujo!

Si Viento nos remite a lo mejor que le conocimos a Los Tres durante los 90, Hágalo Usted Mismo (la canción que le da nombre al disco) nos lleva por pasajes sonoros nuevos y una historia interesantemente sórdida: un tipo quiere deshacerse de su mujer y le pide a Dios el favor; él le responde “hágalo usted mismo y ya verá”. Después, una de las tonadas más bellas del disco, Cerrar Y Abrir, con una melodía perfecta, con cuerdas y teclados que dan la atmósfera adecuada. A continuación, una nueva tonada arraigada en lo más profundo de lo nuestro, sólo que con la métrica alterada y el sentir denso de Ruina, donde Henríquez se luce en la letra.


Es curioso lo que pasa con bestia, la canción dedicada al Mamo Contreras: la letra es directa, pues Henríquez no escatima recursos para hacerle llegar el mensaje; sin embargo, todo está envuelto con melodía contagiosa, casi como la otra cara de una moneda anímica, siendo una de las mejores de la placa. Tal como dijo David Ponce, tanto Bestia como No Es Cierto pertenecen a ese subgénero propio del grupo, el de la canción como ajuste de cuentas, de esas que se disfrutan por partida doble.

El final lo da, era que no, un rocanrol de la puta madre llamado Bip Bip. La guitarra nos recuerda muchísimo al Jumpin Jack Flash de los Stones y el poeta Henríquez deja de lado las sutilezas para atacar directamente: “ahí viene gente / que habla de mí / estupidez extrema / habrá que resistir”. Ojo con los quiebres instrumentales acá, ya que va a ser un número fuerte en los shows en vivo, capaz de hacer saltar al respetable.

Lamento muchísimo no haber podido ir a uno de esos shows en el Santiago Arena. Pero no importa. Siempre está la Yein Fonda para poder verlos cómodamente, o alguna otra fecha que, de seguro, habrá próximamente. Los Tres, en vista de lo que transmite este maravilloso disco, volvieron para quedarse. Congrats!

Los Tres - Camino

Powered by Castpost

Los Tres - No Es Cierto

Powered by Castpost

Y de la presentación en el Liguria, registrada para el especial Tamos De Vuelta, Camino en vivo

El shuffle del Winamp me lleva por caminos sorprendentes.

Ya es pasada la medianoche acá en Chile, casi la 1 am (cuando estoy escribiendo esto, solamente para ejercitar los dedos y ver si sale algo coherente). El criterio que aplicaré esta vez será, una vez más, dar cuenta del nunca bien ponderado "de todo un poco", pero esta vez inspirado en las canciones que vayan pasando por el Winamp. Tengo una carpeta que, en este minuto, posee unos 4.424 tracks. Así de antojadizo y fortuito.

Recién escuchaba esa maravillosa canción de Elton John llamada Your Song. ¿La conocen? De seguro que sí. La letra es una hermosa declaración de amor de clase media. Y es una declaración bastante honesta y descarnada. No le promete nada imposible, sólo lo que está a su alcance. Una de esas canciones sencillas y conmovedoras que dan ganas de habérsela robado al que fue, durante los 70s, uno de los pianistas más bacanes del rock a nivel popular. Si no lo creen, escúchenlo en vivo por esos días.

Elton John - Your Song

Powered by Castpost


El random (o shuffle) me lleva a los sonidos británicamente geniales de Small Faces, uno de los grupos fundamentales de la invasión británica. La canción es Itchycoo Park, uno de sus más reconocibles "hits". La verdad es que este era un tremendo grupo. Steve Marriott en guitarra y voz, liderando con su carisma, el que seguiría rigiendo en esa máquina rocanrolera llamada Humble Pie.

La suerte quiso que el Winamp tocara Formación, una de las canciones que los grandes de Matorral lanzaron en ese ya lejano EP llamado ¿Conoce Usted A Matorral? Eran otros tiempos. Las cosas han cambiado, el entorno no es el mismo, pero Matorral sigue ahí peleando cada día, haciendo los esfuerzos para sacar el nuevo disco y siguiendo el camino de la calidad por sobre todas las cosas.


¡The Kinks en mis fonos enchulados! Y con All Day And All Of The Night, una de esas incendiaras canciones de esos primerizos hermanos Davies y compañía, cuando sin querer queriendo inventaron el hard rock de una (o, al menos, eso intentaron). Acá no hay poesía urbana contemporánea de la cual el genio de Ray Davies nos ha dado hasta nuestros días. Weno, o quizás sí. En lo directo también hay poesía, ¿cierto?


Hablando de directo, el Winamp me llevó directamente a un himno indiscutido como es Baba O´Rilley, de The Who. Pete Townshend supo poner el desperdicio adolescente en una sola canción, con un sintetizador que, supuestamente, nos traduce el alma de su gurú espiritual, Meher Baba. Daltrey cantando como nunca (weno, como siempre en verdad :p), un riff sencillo y demoledor y un cierre de violín precios. ¿qué más pedir?


¿Han escuchado el disco solista de Manuel García, el vocalista de Mecánica Popular? Se llama Pánico y lo lanzó a fines del año pasado. Es un bello disco, al que ya le dedicaré unos 5 mil caracteres pronto. El Winamp me trasalda hacia Tu ventana, un corte de ese disco. La canción trae una paz única con las sonoridades de lo acústica y lo orgánico, más el sello particular de este verdadero trovador de nuestro rock nacional.

Manuel García - Tu Ventana

Powered by Castpost


Distintos tipos de belleza pasan por mis oídos. Ahora es el turno de esa gran banda que todos deberían conocer, llamada Eleven, integrada por Alain Johannes y su esposa, Natasha Shneider. A ellos los escuché por primera vez en 1999, en la desaparecida Concierto Rock y Guitarras. La canción que elige el Winamp es You Will Know, y pertenece a esa joya llamada Thunk, lanzada en 1995. El disco lo tengo gracias a la Vulnerable Querubina, quien me lo grabó para que lo pudiese escuchar una y otra vez, al igual que ella.

Eleven - You Will Know

Powered by Castpost


Parece que lo acústico me persigue, no hay welta que darle. Qué mejor para reafirmarlo que la paz introspectiva de un corte de ese maravilloso Deja Vu de Crosby, Stills, Nash & Young. Claro que este track trae solamente la voz y guitarra de Stephen Stills y una canción casi de corte autobiográfico llamada 4 & 20. Si han visto alguna presentación de CSNY en video, podrán verlo en acción. Stills, con su poncho hippie, su guitarra de palo y mirando hacia arriba, entonando 4 & 20. Todo un lujo.


Las coincidencias (o, más bien, las cosas que tiene que pasar nomás, jejeje) permiten que el shuffle me lleve a un corte del último disco del tipo que ven en la foto (más bien, en el cuadro-retrato): Elvis Costello. Hace muy poco lanzó un disco junto al venerable pianista norteamericano con tradición en Nueva Orleans Allen Toussaint, llamado The River In Reverse. La colaboración proviene de un concierto a beneficio de las víctimas del huracán que azotó a la cuna de la música popular norteamericana. Y Costello se isnpiró como para un disco completo. El track lo escuché en el programa que hace el troesma en la XM Satellite Radio.

Elvis Costello & Allen Toussaint - The Sharpest Thorn

Powered by Castpost


¡Otra vez coincidencias! Ahora pasa Bob Dylan con la canción que le escribió a su ídolo Woody Guthrie. Esa Song To Woody es el mejor de los elogios que un fanático puede darle a su mentor espiritual. La versión que el Winamp puso fue grabada en 1970, en una sesión en vivo junto a su amigo George Harrison, a comienzos de mayo de ese año. Si pueden, busquen el disco completo.

Saludos!!

¿Otro archivo? Sí, otro archivo - Pena De Ti, de Weichafe.

¿Otro archivo? Sí, otro archivo. La verdad es que, con esto de las vacaciones y los preparativos para la grabación del primer disco de Fother Muckers, ando con la cabeza en otra parte. Sin embargo, mejor mantener la regularidad e textos. El de hoy apareció en la revista Rockaxis hace un año y medio: comentario de Pena De Tí, tercer disco del power trío Weichafe. Están preparando su cuarto disco, y estarían entrando a grabar muy pronto.

Weichafe
[Pena de ti]
2004 Guerrero Discos

Por Héctor Muñoz Tapia

Una poderosa muestra de Rock básico, crudo y contundente es lo que abre la tercera placa del power trío nacional Weichafe, "Pena De Ti". Son los primeros acordes a-la Neil Young & Crazy Horse las que dan la intro al primer single, ‘Hazme Dormir’. Y desde el comienzo queda bastante claro que nos encontramos frente a un disco de Rock en su estado más primario, ese que es capaz de revolver nuestras entrañas y nuestros corazones con su toque directo y su mensaje claro y contundente.

Todos esos elementos los posee el primer single de este nuevo disco, en el cual también se incluye un relato inquietante e interesante realizado por Angelo Pierattini, guitarra, voz y autor de la mayoría de las letras y el concepto de esta nueva entrega. De hecho, varias ideas las podemos encontrar en las líricas, a medida que vamos avanzando. El relato de un viaje alucinante e intenso de un personaje que puede ser cualquiera de nosotros merece varias pasadas para ir encontrando diversos detalles, en la más pura escuela del clásico de The Who, “Tommy”. Le sigue la ya conocida en vivo ‘Suicidio General,’ con elementos nuevos y refrescantes para el trío nacional, un toque a lo Queens Of the Stone Age, desértico y "sabbathico" y una lírica de crítica al conformismo.


‘Festín De Muecas’ es el primero de los 2 temas con la, a estas alturas, clásica voz cavernaria del bajista Marcelo Da-Venezia, con muchísimos toques de Punk y quizás tributando a la legendaria banda nacional Machuca, de la cual su emblemático ‘Al Patíbulo’ es el punto de partida de cada tocata y presentación en vivo de los guerreros. La irrupción del tema que da nombre al disco, ‘Pena De Ti’, nos confirma un potencial single, con la misma fuerza del ya clásico ‘No Es Malo’ (del debut de "Tierra Oscura Del Sol"), es reconocido y preferido por una gran parte de la audiencia habitual del trío: basta ver cómo prende de inmediato al ser interpretado en un escenario.

Lo mismo se puede decir de ‘Repugnan’, con un ritmo perfecto y, porqué no, totalmente "bailable". Tiene riffs espectaculares y el contraste entre la melodía de Pierattini y la cavernaria voz de Da Venezia, con una letra del siempre efectivo baterista, Mauricio "Negro" Hidalgo, quien destaca por el poder y precisión de su batería. Las sorpresas siguen con ‘Pájaros de Papel’, con una letra estrechamente relacionada con el relato presentado en el booklet del disco y elementos novedosos en la música de Weichafe, con una intro atemporal y limpia.


En lo que va corrido del disco sólo han pasado temas de Rock crudo y contundente, heredero de la mejor escuela: Cream (lógicamente, por lo de Power Trío), Jimi Hendrix, Black Sabbath, Beatles, Who. La calma musical llega con el bellísmo tema acústico ‘El Paño de Luis’, con una letra cargada de observación a la realidad, que esconde muchas cosas tras un simple viaje en micro; sinceras observaciones de nuestra generación, confirmando a Pierattini como un agudo letrista, quien está consciente de lo que le rodea, postulando esta bella tonada a un merecido lugar dentro del folclore nacional. La crítica a la realidad se torna aún más ácida en ‘Los Imaginarias’: el verso "hey tu arribista e´ m i e r d a / ¡¡me cago en tu moral!!" acompaña a un poderoso riff guitarrero, potente base en el bajo y contundente batería cortesía del Negro, probando que no se necesita nada más para ser efectivo tanto musical como líricamente.

Quizás uno de los momentos más bellos llega con ‘Mubi (la niña del mar)’, un sutil tema acústico cortesía de Da Venezia, que muestra un lado jamás visto y una línea de aquel maravilloso relato, musicalizando un momento clave en él, cuando el protagonista recuerda sentidamente la presencia de la niña del mar. El tono reposado sigue con un nuevo "viejo" tema, ‘Caravana de Penas’, conocido desde la época de promoción del disco rojo, una dolorosa y, a la vez, esperanzadora muestra de la experiencia de vivir ("encontramos miedos y algo de fe"), inscribiéndolo en los preferidos de la audiencia.



El poderío vuelve con ‘Desarme’, con Pierattini y Da Venezia mostrando la mezcla "marca registrada" de Weichafe en los coros, otro ácido comentario en su letra, buen ritmo dado por los riffs y la poderosa base, agregando unos efectos al final. Un momento emotivo llega en ‘Suerte’, con Pierattini cantando fuerte y emocionado, en una tonada conmovedora y celestial a ratos. Un groove sorprendente trae Plegaria A Un Neón y siguiendo con la potencia, llega ‘Azar’, de la mano de la voz de Da Venezia.

Ya en los descuentos de esta poderosa nueva entrega, nos encontramos con un momento absolutamente irónico y lúdico. ‘No llores Más’ toma variados elementos con una letra "consejera" envuelta en música delirante. Así, el disco llega a su fin con la quintaesencia de la entrega completa: un rock & roll sólido y simple, un tributo para un gran ser humano, Poncho Vergara, inmortalizado en ‘El Rock Del Poncho’, un emotivo homenaje ya estrenado a comienzos de año en vivo, en la misma semana del deceso del líder de Tumulto. ¡Qué mejor recordarlo que con un gran rock & roll! Un tema que adquiere nuevos matices, al recordar al malogrado Julián Durney, amigo cercano de los guerreros.

Y han pasado rápidamente 16 temas de uno de los discos más destacados de este año, esperando la consolidación de Weichafe en el lugar que merecen en la escena del Rock nacional. Mucha de la energía que impregnan estas nuevas composiciones es completamente evidente al verlos en vivo. Este nuevo disco contiene varios elementos que, sin duda, consolidarán a Weichafe como una de las fuerzas predominantes dentro de la escena nacional, aquella alejada de los arreglos de las grandes corporaciones y construida sobre la base de un trabajo constante, dedicación total, actitud y pasión por la vida. En esta ocasión, el mensaje es más claro que nunca: la identidad de Weichafe está más confirmada que nunca. Weichafe como sinónimo de Rock, actitud y libertad.

Weichafe - Hazme Dormir

Powered by Castpost

Weichafe - El Rock Del Poncho

Powered by Castpost

Y el video de Hazme Dormir