La Bestia Rock, Lunes y Viernes a las 12:30, por www.radiouc.cl!

¡Qué semana! Y eso que estamos recién a Martes, jejejje. Tres pruebas seguidas, el retorno a las sesiones de grabación del primer disco de Fother Muckers en la semana, descubrir una muy útil herramienta del DVD-Lab Pro, que es ponerle subtítulos a los DVD, pensar, leer, estudiar, tocar guitarra, dormir, caminar, los viajes a la u, pensar, conversar, existir... muchas cosas por hacer en estos días. Pero weno: no los aburro más con ese pseudo diario de vida que acabo de redactar y vamos al grano.

Mejor no. Aprovecharé los 5 mil caracteres para contarles (al fin) algo:

Desde siempre me ha encantado la radio. Revisando los archivos, veo que ya he escrito al respecto. Les dejo el link permanente a mi volá sobre la radio en general:, donde me explayé sobre algo que me apasiona muchísimo (¿acaso hay niveles mayores que el apasionamiento? :p). Siempre había querido desarrollar algún espacio para presentarlo. Sueños, puros sueños. O quizás no.

En la Facultad De Comunicaciones de la UC se estaba gestando con cada vez más fuerza el proyecto de una eventual radio online. Cuando volví a clases a comienzos de este año, me encuentro con que la radio online ya estaba en la previa marcha blanca. Se llamaba Uno Cero, en clara alusión a las iniciales, UC, y al código bianrio que rige lo digital. Los ayudantes del locutorio de radio se acordaban de mí por el interés que había manifestado desde que llegué a estudiar Periodismo a la UC por la radio. Tomé ramos del rubro anticipadamente y siempre pasaba a preguntar cosas.

Me sorprendió gratamente que Carlos Montenegro, ayudante de radio y director de la radio, me ofreciera un espacio de media hora a la semana para programar al viejo y querido rocanrol. Me dio carta blanca para pensar en un proyecto y presentarlo de manera formal para que fuese integrado de manera oficial a la naciente radio. Lo que siempre tuve claro desde el comienzo era que no quería hacer uno de los habituales programas musicales de radios universitarias, esos que destacan cosas raras, corrientes alternativas, temáticas definidas y pefiles estandarizados. Mi idea era no limitarme bajo ningún concepto en cuanto a lo que pudiese tocar. ¡Y qué más amplio que tocar Rock en radio? Bien sabemos que el Rock es más que música, más que cabeceo, incluso más que guitarras, riffs y solos. El Rock es una forma de ver la vida. Y qué mejor compañía que un programa donde el Rock pasara sin etiquetas ni prejuicios. Tocar juntos a los pioneros, los consagrados, las nuevas generaciones, las canciones olvidadas en el inconsciente rocanrolero colectivo, y un larguísimo etcétera.

¿Cómo llamarlo? En esto le doy el crédito a Carlos Costas, amigo y profe. Nos acordamos de canciones rocanroleras en español como para tratar de caer en clichés tipo "con las botas puestas" y ese tipo de frases para el bronce. Llegamos a los Redondos de Ricota y esa canción clásica llamada La Bestia Pop. Me quedó dando vueltas el concepto de "bestia" como algo grande y monumental en apariencia. Algo como para dar un gran golpe de energía y echara andar una celebración rocanrolera. En resumidas cuentas, un espacio para deleitarse con el viejo y querido rocanarol. Y llegué a dar con el título de LA BESTIA ROCK para el programa.

Lo llevo haciendo desde comienzos de abril de este año, y me he dado muchísimos lujos en la programación. por la Bestia Rock han pasado Bob Dyan, Beatles, Rolling Stones, The Who, Black Sabbath, Ramones, Clash, Queens Of the Stone Age, Wilco, Sonic Youth, Beach Boys, La Renga, Weichafe, Divididos, MC5, Grateful Dead, Creedence Clearwater Revival, Pearl Jam... y un largo etcétera, lo que se irá expandiendo a medida que pase el tiempo. También han pasado Fother Muckers obviamente (jejejje), pero no los presenté yo, sino que un invitado de lujo.

Llevo un poco más de 4 meses, descontando vacaciones de invierno, haciendo La Bestia Rock, pero no podía anunciarlo al público hasta que se lanzara oficialmente la radio. Al comenzar el semestre, La Bestia Rcok tiene no una, sino que dos emisiones a la semana, Lunes y Viernes a las 12:30 pm en vivo, con repeticiones en horario estelar los mismos Lunes y Viernes, a las 22:30 hrs. Ayer, Martes 29, se lanzó oficialmente la Radio UC; y en la nota que hicieron en El Mercurio ¡mencionan mi humilde espacio!

La descripción oficial que sale en la página es esta:

“El Rock no es sólo música, sino que una actitud de vida. Acá caben todos y de todo: desde las raíces primarias del Rock And Roll de Chuck Berry hasta el metal clásico de Iron Maiden; pasando por los indispensables Beatles, los revisionistas White Stripes, el poeta contemporáneo Bob Dylan, el vanguardista Beck... la lista es eterna y todos tienen cabida acá. Los clásicos de cabecera se cruzan con las nuevas tendencias bajo el mismo espacio. Porque el Rock, como ya lo dijimos al comienzo, es una gran familia. De eso damos cuenta cada semana en La Bestia Rock, el espacio de celebración del viejo y querido rocanrol.”

Los invito a escuchar, Los Lunes y Viernes a las 12 y media, La Bestia Rock, por Radio UC.

Un archivo de hace mucho: La Renga en River, Sábado 29/11/2002.

Por problemas de la siempre despiadada y a veces maraca tecnología, las sesiones de grabación del primer elepé de Fother Muckers se suspenden por esta semana. Justo cuando debo preparar... ¡3 pruebas! Si me ven conectado, es porque estoy buscando material de lectura o haciendo algo más relacionado con lo académico. Sólo leeré, leeré y leeré.

Por lo mismo, les subo otro de esos siempre salavdores archivo, de aquellos perdidos en el tiempo y espacio de la "Interenrdsh". De hecho, este fue el primer texto que redacté para que fuese "publicado" (lo pongo entre comillas porque no está en papel, sino que en un sitio web): el comentario del primer show de La Renga en el Estadio Monumental de River Plate, el lugar donde los argentinos se consagran como ídolos. La Renga ya ha tocado 2 veces ahí, esta es una modesta y humilde impresión de la primera, que apareció en Rockaxis por primera vez un Martes 10 de diciembre de 2002 (¡cómo pasan los años!). Un show que coronó un año muy rengo en nuestras vidas.

La Renga
[Desde Argentina]

Estadio Monumental River Plate, Buenos Aires, Argentina.

Por Héctor Muñoz Tapia.

Lo que ocurrió el pasado Sábado 30 de Noviembre en River fue algo histórico: el gran grupo argentino La Renga se consagró a gran escala en su país al tocar en el Monumental, logrando entrar en la categoría de grandes del Rock Nacional en Argentina (en lo que a convocatoria en vivo se refiere), pues sólo Soda Stereo, Seru Giran, Los Redondos de Ricota y Fito Páez habían logrado tocar en dicho recinto, el mismo que los Rolling Stones llenaron 5 veces en el 98.

Se sabía de antemano que esta iba a ser una gran fiesta, una celebración de buen Rock, de puro sentimiento, Rock Barrial, Grunge porteño, cargado de vibras de la gente, algo casi de ritual. A River llegaron fanáticos de toda Argentina, del interior: Mendoza, Rosario, San Luis, etc.. también de Chile y Uruguay. Me impresionó bastante que en la ciudad de Buenos Aires casi no había afiches promocionales del concierto, pero toda la gente sabía lo que pasaba. Estaba en el aire, se sentía en ese clima tan particular de la capital argentina. Si bien nosotros tuvimos la fortuna de ver a La Renga en Chile, es distinto verlos con el público argentino en la audiencia. La banda estrenaba un nuevo show en River, nueva escenografía y 3 temas incluidos en "Documento Único", un mini CD EP que se podía obtener sólo con la entrada al concierto.


A pesar que se anunciaban precipitaciones en Buenos Aires, el concierto se hacía igual. Durante la espera hasta las 20:30 hrs, el estadio se fue llenando y se repletó: fueron 50 mil personas las que concurrieron a disfrutar del banquete de Rock que La Renga siempre prepara en sus tocatas. Desde la entrada al estadio, los de control nos hacen pasar amablemente, el recinto se iba llenando de lienzos y banderas, se escuchan temas de Led Zeppelin, Ac/Dc, Los Redondos, Black Sabbath, CCR, etc, para calentar motores.

Y La Renga apareció en el escenario a las 20:30, abriendo con un tema nuevo, 'Detonador de Sueños', que fue precedido por una nueva presentación: Un hombre tratando de nacer y atrapado en un estado de desesperación, el mismo del fondo del escenario, con la cabeza asfixiada y las manos en los costados hacia delante, distinto al de la gira de "Insoportablemente Vivo", con sus ciudades en ruinas.

"Desde acá no se puede creer loco" fue lo que dijo el bajista Tete al término de 'Tripa y Corazón', segundo tema del show. Incluso ellos mismos estaban gratamente asombrados al ver el estadio repleto. Desde la partida, se notó que La Renga apostó no sólo por los hits registrados en el show de Huracán en su disco en vivo, sino que por temas de sus primeros discos, sobre todo del "Esquivando Charcos" y de "La Renga" (el de la estrella) de 1998. Al sonar 'Cuando Vendrán' se veían en las pantallas imágenes de cortes de rutas. Luego vinieron 'En El Baldío' y 'Moscas Verdes Para El Charlatán', que mostraba excrementos fundidos con imágenes de Menem, De La Rúa, Cavallo y que terminaba con un "ustedes saben a quién está dedicado", del guitarrista/vocalista Chizzo.

Desde un principio la banda tuvo una potente base de Tete en el bajo (quien va de un extremo a otro en el escenario e incluso se pasea cerca del público en la cancha) y Tanque en la batería, además de la sección de saxo y armónica de Chiflo y Manu, que le dan más cuerpo al power trío de Chizzo, Tete y Tanque.


El show siguió con 'Vende Patria Clon', que Chizzo presentó como "un tema viejo, pero que parece como nuevo"; 'El Hombre de la Estrella', el 'Twist del Pibe' y 'Reíte', todas del disco de la estrella, distinto al repertorio que vimos en octubre aquí en Chile, donde tocaron casi todas las del "Despedazado Por Mil Partes". De este disco siguió 'Lo Frágil de La Locura', coreada por todo el público. A estas alturas la lluvia había comenzado a caer sobre Buenos Aires, dándole un tono aún más especial al show de La Renga. Le siguió otro tema nuevo, 'Hielasangre', en el que los acompañó Lihuel, el pequeño hijo de Tete. Después sonaron 'Despedazado por Mil Partes' y la clásica 'La Balada del Diablo y la Muerte', con un intermedio de toque experimental setentero. Siguió 'Ser Yo' y la gente cantaba 'el que no salta es un inglés'... "San Pedro es un inglés" les respondió Chizzo desde el escenario, haciendo una clara referencia a la inclemente lluvia que no dejaba de caer, pero que no hizo detener el banquete que siguió con 'Embrolos, Fatos y Paquetes', 'Veneno' (original de La Negra), 'El Juicio del Ganso' y 'La Nave del Olvido', todos temas que no tocan habitualmente, pero que desempolvan con gusto y les dan nuevos bríos.

"¿Se la aguantan con la lluvia? ¿Sí? Acá está todo mojado, pero si ustedes quieren, igual le metemos para adelante", dijo Tete promediando la hora y media de show, poniendo en estas palabras el cariño mutuo entre la banda y el público. El show continuó y la lluvia paró, surgiendo 'El Rito de los Corazones Sangrando' y una de las más coreadas por la gente, 'El Final Es En Donde Partí' que tenía como invitado a Alejandro Sokol de Las Pelotas en las voces. Después en 'Estalla' se mostraban las conocidas imágenes de la caída de las torres gemelas del 11 de Septiembre.


Luego siguió 'El Rey de la Triste Felicidad' y después de 'El Viento Que Todo Lo Empuja'
vino la tercera canción nueva, 'Dementes en El Espacio', donde se produjo la anécdota del show: En medio del tema, aparecieron dos enfermeras con portaligas y un médico, le sacaron la guitarra a Chizzo y lo amarraron, y enseguida procedieron a cortarle el pelo, mientras Chizzo miraba frenético a la cámara. Con esto, Chizzo se despojaba de su cabellera de más de 15 años, esto apenas un par de personas en el equipo de La Renga lo sabían y el hecho sorprendió a todos los presentes, dando un acto como el que algunas bandas en los setentas hacían, el llevar a cabo una performance a lo Gabriel en Genesis, por ejemplo. Este curioso hecho puso el primer cierre a un show que llevaba 2 horas y 20 minutos de puro rock & roll.


La banda volvió al escenario con Chizzo pelado diciendo "eso sí que fue un reality show" y comienza el clásico saludo del león de 'Panic Show' en una seguidilla de 6 canciones. A la ya mencionada le siguieron sin respiro 'Pis y Caca' (otro tema viejo, del "A Dónde Me Lleva La Vida"), 'Arte Infernal', 'Negra Es Mi Alma, Negro Es Mi Corazón', una gran sorpresa con 'Bailando En Una Pata' y el gran himno 'El Revelde'.

Fue maravilloso poder estar ahí y sentir cómo el público de un River lleno coreaba esta seguidilla de principio a fin, con mucha vibra y un aguante enorme, pues todos nos quedamos a pesar de la amenazante lluvia. Es ahí donde pude ver y corroborar que La Renga y su público es la misma cosa: puro sentimiento, aquel que nos define y nos mueve en la vida.

La banda volvió por tercera vez para su segundo bis y llegaron con otra gran sorpresa: comenzó a sonar la gran 'Blues de Bolivia', con chicas bailando en el escenario y un Chizzo inspiradísimo cantando y animando a la gente. Le siguió 'Los Mismos de Siempre', donde Chizzo dijo: "La Renga va a estar siempre, dando una fiesta en cualquier lado", mientras daba el paso al clásico cierre de cada show que da el grupo, con 'Hablando de La Libertad'. Después de más de 3 horas de show, La Renga nos dio un "gracias por todo" y mostraron una bandera que tenía escrito "A los mismos de siempre, muchas gracias".


En todo el show La Renga hizo presente que están muy conscientes de su realidad, lo que no extraña, pues es una actitud honesta que siempre han tenido a lo largo de su carrera. Sobre todo ahora, un momento difícil para el pueblo argentino, el "Rock Barrial" (como lo pusieron los críticos allá en Argentina al fenómeno de la Renga) interpreta con veracidad lo que siente la gente común, la gente de barrio, que está cansada de las injusticias y abusos en todo sentido que han experimentado. Es ahora cuando se unen con más fuerza, para poder seguir adelante. Pero explicar el fenómeno de la Renga es muy difícil, pues es pura pasión y sentimiento. La Renga se vive, se siente. Sólo basta con sentirlo y con vivirlo. Todo esto tuvo su punto máximo en este show en River.

Lo ocurrido el pasado 30 de Noviembre en el Estadio Monumental de River Plate en Buenos Aires fue la noche más importante en la carrera de La Renga. Un largo camino desde el barrio de mataderos, habiéndose consagrado con anterioridad en Obras y Huracán, yendo de gira por el interior de Argentina y cultivando una relación intensa y sólida con su público, su hinchada, los mismos de siempre.

Un video en vivo: Panic Show, de la apertura del primer Huracán...

Modern Times.

Dylan, Dylan, y más Dylan. Estos días han sido de mucho Bob Dylan por los oidos y al vista. Estoy en medio de la lectura de sus Chronicles (sí, en inglés, jejejje), donde el troesma muestra sus habilidades en prosa. Y créanme, es demasiado hábil! Lúcido como pocos, es capaz de describir de manera sublime lugares, circunstancias y gente. Dylan siempre ha sido un observador y un filtro de la espiritualidad pasado por lo más humano que todos tenemos. Eso queda de la lectura.

Por otro lado, espero con ansias el lanzamiento oficial de Modern Times, el disco del cual pueden ver la portada en esta ocasión. El disco en estudio nº 31 de su discografía de 44 discos oficiales (en estudio, rarezas oficiales y los en vivo). De este nuevo Modern Times, se dijo desde el comienzo que completaría una especie de "trilogía" junto al Time Out Of Mind y al Love & Theft. ¿Será posible? Para mí, el troesma ha podido plasmar en registro de estudio la dinámica que tiene en vivo con los músicos que lo acompañan en sus shows, con lo que viene a mostrar de forma natural un sonido creado a un promedio de 100 presentaciones al año desde hace más de 15 años, el Neverending Tour. No es und etalle menor el que el álbum esté producido por el mismo Dylan, bajo el pseudónimo de Jack Frost, al igual que Love & Theft y Under The Red Sky.


El nuevo disco, que ya hemos podido escuchar muchos de nosotros (los fanáticos rayados del troesma) vía MP3 como una especie de "advance CD", contiene 10 canciones, 8 originales y 2 versiones de tradicionales del blues. El "single" (así, entre comillas, para destacar al track Nº 1 y a la primera canción completa que pudimos escuchar del Modern Times) es una delicia de 6 minutos llamada Thunder On The Mountain, en donde mantiene el tono de los 2 discos anteriores (como consecuencia lógica nomás), con un ritmo blues constante, de esos que se te quedan pegados a la primera escuchada. Mucho se habló de la línea que le dedica a Alicia Keys, la joven cantante de r&b: " I was thinking 'bout Alicia Keys, I couldn't keep from crying/While she was born in Hell's Kitchen, I was livin' down the line".

Bob Dylan - Thunder On The Mountain

Powered by Castpost

Después, la deliciosa Spirit In the Water, donde recurre al oceano de los recuerdos sonoros para tomar de todos lados y crear una tonada tan familiar y tan fresca a la vez, con el troesma en el piano, con un swing jazz de banda notable. Le sigue la rendición del clásico escrito por el seminal Muddy Waters Rollin´ And Tumblin´, versionado por muchísimos; Dylan contribuye con su parte a la larga tradición. El viaje continúa con una nueva, When The Deal Goes Down, una bella balada con el sello atmosférico que poblaba el Time Out Of Mind, con ese sonido que parece haber estado desde el principio de los tiempos.

La rendición para el clásico de Lonnie Johnson Someday Baby acelera el pulso, tal como lo hizo en la entrada. Nuevamente, todo vuelve a ser atmosférico gracias a la llegada de Workingman´s Blues # 2, una balada reposada con piano; me recuerda mucho a algunas cosas que provoca la música de The Band y Derek And the Dominos, pues pareciera tener la misma raigambre emocional. La misma emocionalidad, aunque con un tono más de banda de jazz de New Orleans, es la que tiene Beyond The Horizon. La vibra más reposada continúa con Nettie Moore, con casi 7 minutos de duración. En esta seguidilla de 3 canciones, el troesma es capaz de ligar la atmósfera de lo atemporal con los sonidos que nos remiten directamente al pasado. Es que Dylan ya tiene la mente fuera del tiempo.


Cuando llega The Levee`s Gonna Break, nuevamente nos encontramos con ese blues duro, el que pocos saben hacer y desarrollar con la soltura que da la calle, los años y la sabiduría. Una cosa es tocarlo y la otra es comunicarlo. Y esoe s lo que hace el troesma acá, jugando con el lenguaje a su antojo: “If it keep on rainin` levee gonna break / If it keep on rainin` levee gonna break / Some of these people gonna strip you of all they can take”, como si fuese una canción del Mississippi. “Some people on the road carry everything they own”, “I`m trying to get you to love me, but wan`t repeat my faults” y referencias al amor: I look in your eyes and see no other than me / I look in your eyes and see all I wanna be". Una excelente canción, como para darle varias vueltas al CD.

El disco cierra con una épica canción: Ain´t Talkin. "As I walked out to night in the mystic garden", como describiendo al mundo real, como si fuese un jardín retorcido en vez de místico. Al caminar, encontramos los vicios en el entorno y en nosotros mismos. En ese sentido, esta canción sigue el camino que Dylan trazó con maestría en esa joya llamada Desolation Row, con esos personajes mundanos salidos de una feria o un ritual. Un gran cierre a un increíble disco.

Estará disponible en todos lados desde este Martes 29 de agosto, con una edición limitada con DVD extra, conteniendo 4 videos, una especie de guinda del pastel. Si les gustaron los 2 anteriores, este calzará perfectamente en estos "tiempos modernos".

Un poco sobre el tocar guitarra o "guitar tocarra" y Frusciante.

Tocar, tocar, tocar. Tocar guitarra. "Guitar tocarra". Tomar la guitarra, afinarla (en la medida de lo posible y dependiendo de la "oreja" para afinar :P), hacer notas, crear acordes que no se tiene idea de qué carajo son, hacer solos que sólo son reproducibles una sola vez. En fin, tantas cosas que salen cuando uno está con la guitarra.


Todo lo que sabía hasta mitad de este año en guitarra fue exclusivamente por el oído y a través de los caminos de lo autodidacta. Mis únicas nociones sobre música me las dio mi mamá cuando era apenas un niño chico, creo que ni siquiera iba al colegio para ese entonces. Pasaron algunos años y varias cosas en mi familia hasta el momento en que tuve una guitarra por primera vez en mi vida: el último Miércoles de agosto de 1993. Una guitarra de palo, de cuerdas de nylon, que la compraron en un taller de cerca de la casa. Me pasaron un cancionero de The Beatles, pero no pude entender absolutamente nada. La guardé en el clóset y no intenté tocarla en mucho tiempo.

Recién volví a tomar la guitarra a fines de 1995, pero sin saber qué mierda hacer con ella. Ya entrado el año, y por meras necesidades académicas, tomé la guitarra. Había que preparar un trabajo para Educación Musical y había que ocupar eléctrica. TOdas esas coincidencias me llevaron a un Lunes 20 de mayo de 1996 a Audiomúsica, la tienda del centro, a ver la que sería mi primera y (hasta ahora) única guitarra eléctrica: una Samick Les Paul, de una sola pieza, con 2 cápsulas dobles y pitada a la "sunburst", la tradicional degradación del rojo en amarillo. En palabras más simples, mi Les Paul se ve igual a la de Jimi Page! Fue con esta guitarra que empecé a probar y tratar de aprender.


Sin embargo, aún me faltaba saber el papel de otro tipo de guitarra en mi vida. En vacaciones de verano, durante nuestro viaje al norte, vi una hermosa guitarra Epiphone acústica de 12 cuerdas. Estaba a mitad de precio! No lo pensé 2 veces y la pedí como regalo de cumpleaños. Así, un Jueves 6 de febrero de 1997, a 10 días de mi cumpleaños número 16, tuve en mis manos mi querida guitarra de 12 cuerdas. Y también me costó acostumbrarme a ella. En el momento en que se cortó la tercera aguda, decidí sacarle todas las cuerdas que "sobraban", dejándola de 6. La dejé "normal" y pude acostumbrarme a soltar la mano en ella. Recién en noviembre de ese año me propuse retomar el desafío de las 12 cuerdas.


Llegué a un techo de lo autodidacta. Ya no puedo aprender más cosas nuevas por mi cuenta. Considerando el hecho de que todo lo que toco lo he aprendido de oído y que tenía muy pocas (por no decir nulas) nociones musicales, no es mucho más lo que podía lograr por mi cuenta. Así que decidí tomar clases de guitarra por primera vez en mi vida. Y me di cuenta que, en realidad, no tenía idea de nada. Acordes extraños, patrones, escalas, técnica... practico y practico, duele la muñeca, practico y practico. Y sigo en eso, tratando de compatibilizarlo con el resto de mis actividades. Clases en la u, grabar el disco de Fother Muckers y la guitarra. En realidad, el “guitar tocarra” no lo he dejado desde


Hay muchos guitarristas a los que admiro y observo para aprender y aprehender de ellos. Eric Clapton, Jimi Hendrix, Pete Townshend, Neil Young, George Harrison, Keith Richards... de los que más me acuerdo y los que más tengo en el
inconsciente a la hora de tocar. Tal como dijo el maestro Richards, "todo lo que uno escucha sale cuando tocas, así que de ninguna manera puede ser tuyo. Uno es como una esponja que lo absorbe todo".


De los guitarristas actuales, uno de mis favoritos es el que ven en la foto. John Frusciante es de esos tipos que emanan de su alma un aura impresionante, de esa que se manifiesta de la mejor manera cuando se está frente a una guitarra. Para mí, toda la magia cósmica, la espiritualidad, el feeling, el poder y la pasión los trae en grandes cantidades el renovado Frusciante. Tiene un sentido único de la melodía como muy pocos, además de un excelente gusto. ¿Alguien recuerda el cover de A Teenager In Love, esa canción de 1959 interpretada por Dion & The Belmonts? O los guiños a baladas de los 50 que incluye en los sets en vivo?

Red Hot Chili Peppers - A Teenager In Love

Powered by Castpost

Lo último que está incluyendo en los sets en vivo de Red Hot Chili Peppers es, previo a una zarpada tipo Trown Away Your Television, cantar y tocar completamente solo el clásico de The bee Gees, How Deep is Your Love?. No importa que su voz se resquebraje al tratar de emular el falsete de Barry Gibb. No importa que esos acordes sean, en técnica, "sucios". No importa nada de eso. John Frusciante es puro espíritu y pura vibra. Uno de los pocos guitarristas contemporáneos que no busca la técnica pura ni el virtuosismo excesivo, sino que sólo la expresión del alma.

A fin de cuentas, la guitarra enmarca todo eso. Su sonido es atemporal; no importa que haya sido tocada ayer o hace diez mil años. Su impronta, su aura y su esencia quedan inscritas para siempre.

¿Les gusta la guitarra? ¡Yo la amo! ¿Quién no?

No necesariamente una reseña sobre Elvis Presley.

Me acuerdo de una vez que leí, por ahí por 1999 (tanto tiempo que ha pasadooo!!!), en uno de esos típicos "balances de fin de siglo" un artículo en el que debatían sobre quién era el Rey del Rocanrol. Así, con mayúsculas. Y una wena parte de los consultados restaba importancia a la figura de Elvis Presley. Después de revisar exhaustivamente sus más de 50 discos editados, es poco lo que logró la trascendencia, argumentaban. Que es Chuck Bery. Que es Lennon. Que es Holly. Que es Dylan. Que es Townshend (eso lo psotulé yo alguna vez :p). Nadie se pondrá de acuerdo.


Que era un vendido. Que era un decadente. Que era un producto fríamente calculado. Que no era verdad. Que era un tipo desagradable. Que era alguien que no tenía control sobre su carrera. Que era alguien que no le importaba nada de lo que sucedía a su alrededor. Estos y muchos más fueron los juicios que se han emitido en torno a Elvis durante mucho tiempo. Incluso mientras vivió y alimentó el mito. Pero eso queda atrás tras recordar (para los que lo vivieron, aunque igual incluyo a los que extrañamos lo que no pudimos ver :p) lo poco que hizo de trascendencia. Y eso poco es demasiado importante como para olvidarlo.


No quiero redactar una reseña de la trayectoria archiconocida de Elvis Presley, ni tampoco quiero dar mucha lata con datos freak que de seguro se olvidarán al cambiar la página. ¿Para qué hacerlo, si hay MILES de sitios web dedicados al culto de la figura del denominado "rey del rocanrol". Si lo pensamos bien, sólo un mundo necesitado de héroes, líderes y deidades es capaz de rotular con semejantes, el mundo necesitaba en ese momento coronar a alguien como rey del rocanrol, si es que existe algo así.


Siendo bien sinceros, Elvis no inventó nada. Por ahí leí que inventó el Rockabilly, pero eso es falso. Elvis fue parte de ello, pero no el precursor ni el vanguardista. Y me imagino que él mismo sería el primero en admitirlo. Elvis fue un increíble intérprete, muy en la línea de Sinatra y Martin. Así es. No les suene extraño esto, porque es así. A Elvis le encantaba mucha música y era una esponja a la hora de asimilar e incorporar guiños y estilos de otros. En esos años, antes de que el sistema lo absorbiera y lo pusiera como norma, cuando su acto era censurado en más de la mitad de gringolandia, Elvis era capaz de canalizar su pasión por el gospel de iglesia, los cantantes de r&b y el country de crianza, fundiéndolos en un torbellino nunca visto. Su sello, a-la Elvis.


Personalmente, me encanta ese timbre de campesino que se mezclaba con el eco de guitarra del genio y figura Scott Moore. Siempre me gusta rescatar el valor de esa banda de acompañamiento que Elvis tuvo en su primera época, con Moore en la guitarra, Billy Black en el contrabajo (el que se compró elf anático Paul McCartney) y DJ Fontana en la batería, junto con la guitarra acústica de Presley, quien la tocaba tan arriba que salía por el mismo micrófono que su voz, dando un efecto especial al sonido, como recuerda el fanático de Elvis y baterod e The Band, Levon Helm. Algo tenía ese amplificador con eco que me fascina. Ojalá pudiera reproducir ese sonido de eco en alguno de los solos que tenemos en canciones de Fother Muckers. ¿Es muy malo cuando te dicen que tus solos tienden al blues?


No es extraño que prácticamente toda la juventud en los 50 quedó prendada de la figura, el carisma y el aura de Presley. Las chicas querían tenerlo completo, los cabros querían emularlo. El mismo Lennon fue absolutamente categórico a la hora de describir a Elvis: "antes de Elvis, no había nada". En cierto modo, Elvis representa un cisma cultural: en sus movimientos y loq ue interpretaba mediante su filtro se fundieron dos mundos: el del ritmo genuino de la música negra y al melodía de la música blanca. ¿Un blanco que canta como negro? ¿Un blanco que canta canciones negras con voz de blanco? Para Elvis, según el legendario productor y dueño de Sun Records, Sam Phillips, no había colores. "Su sonido era realmente Elvis, en él no había diferencias", ha dicho tantas veces que pareciera una oración.

Hablando de oraciones, la figura de Presley ha dado para, incluso, cultos religiosos. ¿No será mucho? ¡Es solo un rocanrol singer! Un intérprete, como los ha habido miles y millones, miles de millones, billones… ese culto que raya en lo irracional es digno de analizar en alguna otra ocasión. No vayamos a ofender a los "preslyanos", jejejejje.

¿Canciones preferidas? Me encanta Mystery Train, Blue Moon Of Kentocky, That´s Alright Mama, Hound Dog, Heartbreak Hotel... prácticamente, todo el catálogo hasta el 58, sin desmerecer a la gran Suspicious Minds o It´s Now Or never. Con 50 discos entre singles, bandas sonoras y giras, como que hay bastante para elegir. ¿Cual es vuestra canción preferida de Elvis?

Elvis Presley - Mystery Train

Powered by Castpost

Les recomiendo el telefilm que se lanzó el año pasado, donde Jonathan Rhys Meyers hace de Elvis hasta los 33, cuando graba el Comeback Special. Entretenidísima, aunque no de completamente con el tipo de Presley. ¿Quien lo da? Con los millones de imitadores esparcidos pro el mundo (¿alguien se acuerda que René De la Vega, figura kitch nacional, partió de adolescente imitando a Elvis? .p), nadie ha logrado dar con el tipo de Elvis.

Hace 29 años se fue de esta tierra. Al menos, eso es lo que dicen. ¿Estará vivo? ¿Cómo habrá muerto realmente? Ya es un mito. Lo que es cierto es lo que dijo el fanático de Presley, John Lennon: “los que matan al rey son sus cortesanos, nunca sus enemigos. Al rey se lo sobrealimenta, se le sobremedica… cualquier cosa para mantenerlo atado a su trono. Yoko me libró de esa situación; me mostró lo que era ser Elvis Beatle y y estar rodeado de sicofantes y esclavos interesados en mantener todo como estaba. Y eso es una especie de muerte”.

Un video: Don´t Be Cruel...

Rubber Soul.

¿Cuándo fue que tuve este disco por primera vez? ¿El Rubber Soul, de The Beatles? En cassette de cromo, los famosos CrO2, esos de cinta negra y delicada, los que no podías poner en ninguna cassettera corriente, sólo las que admitían el cromo. Eso no importaba, porque yo los ponía igual en mi radio IRT de mi pieza.

Weno, fue toda una experiencia el escucharlo. Me lo regalaron junto con el Help!, esa maravillosa banda sonora y cancionero popular que incluye Yesterday. Quizás debió ir acompañado de esa gran obra maestra llamada Revolver, pero no me molestó en lo absoluto, al contrario. Siempre lo llevaba al colegio para escucharlo en el personal que tenía en ese entonces. Y quería tener el pelo así de largo, como lo muestra la foto distorsionada en la portada.

Lo que The Beatles hizo a fines de 1965 en Rubber Soul fue sorprender a todo el mundo con la nueva colección de 14 canciones, 7 por lado, que parecía ser más de lo mismo en un comienzo, pero que abría nuevas puertas desde la primera escuchada. Es en Rubber Soul cuando Lennon y McCartney van encontrándose a sí mismos como compositores con estilos particulares; es en Rubber Soul donde Harrison va encontrando su camino espiritual y cultural, aquel que seguiría hasta el fin de sus días; es en Rubber Soul donde las letras exploran nuevos horizontes: ya no hay típicas canciones de amor, sino que vistas desde una perspectiva más adulta y, a veces, desgarradora; es en Rubber Soul donde, tal como en Thw Wizard Of Oz, se pasa del blanco y negro al color.


Rubber Soul es la puerta de entrada hacia los cambios de las formas y las capas de lo que en ese entonces se conocía como música popular. Es curioso que en el primer track, Drive My Car (una de esas clásicas rocanroleras que no necesariamente es de mis preferidas), Paul esté marcando al piano y no al bajo, dándole un nuevo sabor. De inmediato, el viaje se torna introspectivo y críptico bajo las alas de Norwegian Wood (This Bird Has Flown), la enigmática confesión de infidelidad de John Lennon, y en donde prácticamente se introduce a la música popular occidental el uso de la cítara, instrumento de 21 cuerdas hindú que tenía welto loko a George en esos días. You Won´t See Me tiene la marca indiscutida de Paul, con órganos y teclados llenando de cuerpo la melodía.

Nowhere Man, a nivel vocal, nos demuestra el don de Lennon, McCartney y Harrison para las armonías a tres voces; fíjense con atención en ellas, las que dan tres dimensiones a las palabras de John, que van dando un himno a los que no se sienten de ninguna parte, ni geográfica ni afectiva. Think For Yourself es de esas canciones escondidas del gran Harrison, esas rockerazas con un leve uso del overdrive, lo suficiente para mantener un riff de lujo. En The Word, volvemos a las voces en armonía de John y Paul para una de las canciones más interesantes y detallistas de la placa. ¿Qué mejor que cerrar el lado A con una de las baladas más bellas de todos los tiempos? Michelle tiene todos esos ingredientes que la hacen características de McCartney, inscribiéndose como clásico desde la primera escuchada.

The Beatles - Nowhere Man

Powered by Castpost


El lado B lo abre la voz de Ringo Starr para What Goes On, un country alegre y en la línea de guitarra medio Carl Perkins de la cual George es fan absoluto. La belleza bos invade nuevamente, esta vez de la mano de Lennon, para Girl y un preciso y perfecto trabajo de armonías y cuerdas; las acústicas suenan fenomenales acá, inscribiendo la canción en nuestra memoria. I´m Looking Trugh You, de Paul, trae cambios de ritmo que dan un toque único a una melodía traída, nuevamente, desde la belleza de lo acústico, claro que complementado con algunos órganos tipo Hammond.

In My Life debe ser una de las canciones de amor más bellas y sinceras de todos los tiempos. Lennon supo poner en palabras lo que significa el mirar en retrospectiva y bañarlas en una dulce melodía, fortalecida por el piano del wen productor George Martin. Si pueden, escuchen la versión que hizo Johnny Cash grabó para el American IV de In My Life; es sencillamente conmovedora.

Con Wait, el viaje de Rubber Soul se acelera un poco y se estira la goma para hacer de magnífico puente con otra de esas indispensables firmadas por George, If I Needed Someone, que fue número fijo de la última gira mundial de 1966, donde George hace que esa guitarra de 12 cuerdas eléctrica, la que define nuevas formas de lick en guitarra. Cerrando el lado B, una cabalgata con Run For Your Life, yéndose a fade, como invitándonos a seguirla.


Las 14 canciones que repasé recién corresponde al Rubber Soul tal como lo conocieron en Inglaterra. Para el lanzamiento en los Estados Unidos, se excluyeron Drive My Car y What Goes On, reemplazándolas con I´ve Just Seen A Face e It´s Only Love, respectivamente. De esta forma, el Rubber Soul que los gringos conocieron se enmarcaba fácilmente dentro del sonido folk-rock que dominaba las listas de esos meses. ¿Habrá escuchado esa mezcla Brian Wilson para inspirarse y sacar adelante el Pet Sounds?

El año pasado se editó un disco tributo a Rubber Soul, con versiones hechas, entre otros, por Ben Harper, Sufjan Stevens y The Donnas. Hay algún par de momentos notables, a modo de sentido homenaje. Pero nada se compara a esa primera escuchada del Rubber Soul en cinta de cromo y queriendo tener el pelo como los tipos de la portada. En esos años de preadolescente, ¿quién no? Del blanco y negro al color, un solo paso. Más bien, un solo Rubber Soul.

Un archivo reciente: Festival Quieres Rock Volumen 1 del sabado.

La foto, como deben ya saberlo, es de Wiechafe. En unr ato más, vana subirse nuevamente al escenario de La Batuta. Pero esta no es una tocata más, sino que el cierre de un ciclo: la promoción en vivo de su tercer disco, Pena De Tí. Después del show de hoy, se dedicarán de lleno al cuarto disco.

Lamentablemente, me lo estoy perdiendo. No pude ir por cansancio, falta de plata y cabeza en otro lado. Ya les estaré contando con más detalle. Por ahora, otro archivo, esta vez muy reciente: la cobertura del festival Quieres Rock Volumen 1, que fue cerrado con una intensa y poderosa presentación de Weichafe. La foto es precisamente de la despedida de la jornada.

QUIERES ROCK VOLUMEN 1: LO MEJOR DE LO NUESTRO

Por Héctor Muñoz Tapia

Eclecticismo: 1. m . Modo de juzgar u obrar que adopta una postura intermedia, en vez de seguir soluciones extremas o bien definidas. 2. m . Escuela filosófica que procura conciliar las doctrinas que parecen mejores o más verosímiles, aunque procedan de diversos sistemas . (Real Academia Española).

Eclecticismo es lo que podemos aplicar en el caso que sigue a continuación. Hard, folk, metal, épico, raíces, vanguardia, crudeza… el rock puede tener muchos apellidos que lo diferencie entre sí mismo. Desde siempre, los pequeños y considerables matices han hecho la diferencia.

El cartel del “Quieres Rock Volumen 1” era completamente ecléctico. ¿Cómo hacer convivir distintas corrientes del Rock en una sola noche? Cuando tocan tantas bandas en un solo lugar como el sábado recién pasado, puede pasar cualquier cosa. Afortunadamente, en esta ocasión la convivencia y el disfrute fueron parte importante de la jornada. Nombres tan, en apariencia, disímiles como los de Weichafe, Dorso, Silencio, Six Magics y Matorral lograron mostrar lo que hacen en un margen de respeto y buena crianza por parte del público que, a eso de las 10 de la noche, repletaba el Galpón Víctor Jara.

Los que debían abrir la maratónica jornada fueron Matorral, el excelente trío de Rock con reminiscencias a la historia y a nuestro folclore. Casi a las 9 y 15 subieron al escenario. Ante una audiencia creciente y respetuosa de los números convocados. Matorral se ganó el respeto de la concurrencia a punta de guitarras poderosas de Felipe Cadenasso y la base rítmica de Gonzalo Planet en el bajo y Esteban Espinosa en la batería.


Canciones que se incluirán en su próximo disco se mezclaron con la conocida “Hasta que cubra el mar” y una sicodélica mirada a una gran canción de The Kinks, “See my friends”. Tras 30 minutos de show, los Matorral dejaron el escenario después de una poderosa presentación, que confirma la calidad musical del trío, como número importante para cualquier cartel de rock.

Matorral - Hasta Que Cubra El mar

Powered by Castpost

Después de una breve pausa, en la que el sonido de fondo se endureció como preámbulo a lo que vendría, los vítores del respetable pedían a Six Magics, la banda de metal épico que hace bastante rato que ya pinta para una internacionalización fuerte en el mercado europeo. El quinteto mostró su perfección técnica y su oficio dentro de la concurrida escena de metal nacional.


Prácticamente con la integridad de sus canciones en inglés, los Six Magics igual dan cabida a mitos locales como el Trauco y el Caleuche para dar títulos a las canciones de habla inglesa. Viéndolo desde atrás, era sorprendente ver la euforia que despertaban los Six Magics en sus enfervorizados fans, los que cantaban todo al pie de la letra. Obviamente, hubo bis.


La tercera banda programada en el cartel era Silencio, unos verdaderos “incitadores de masas”. Para los que los hemos visto en ocasiones anteriores, sabemos de la energía que derrocha este trío de metal más arraigado en el poder de un trío y con mínimos elementos, pero una garra como pocos la tienen. Canciones como “Cópula”, “Daño” y “Sangre” estaban en su set, que también incluyó la participación especial del weichafe Marcelo Da Venezia en la canción “Masa”. Con Silencio, cualquier lugar se prende. En la media hora que duró su intenso set, el galpón subió de temperatura, en contraste con el inclemente frío que hacía en las calles de plaza Brasil.


La espera entre bandas es cada vez más breve, y el tiempo ha pasado volando. Casi a las 12 de la noche se asoma una verdadera leyenda: Dorso. Con más de veinte años de carrera, el “Pera” Cuadra ya es todo un maestro de ceremonias y un showman como hay pocos en nuestra escena local. Con sendas introducciones, en las que deja que su particular sentido del humor fluya, dio el tono preciso para canciones ya conocidas por todos como “Deadly pajarraco”, “Horrible sacrifice”, “Cíclope” y la imperdible “Disco Blood”.


Por su parte, la respuesta del público alcanza el nivel de mayor algidez y descontrol. Los “Mosh” y el pogo se suceden en cada tema, especialmente en los viejos himnos del primer disco y de “El espanto surge de la tumba”. Son momentos en que todos cantan, desde el quinceañero que vibró con Six Magics hasta los presentes de más de 30 que crecieron escuchando a estos patrones del metal. Ni siquiera algunos acoples en algunos pasajes del show mermaron la emoción.

Como el oficio es algo que siempre hace ganar a las audiencias, los Dorso volvieron para un bis a pedido, con “Hidra”. Lo que el “Pera” ha formado en Dorso es un camino a seguir para muchos de los grupos nuevos.

Ya no queda nada para el último número de la noche. Si comienza a sonar por los altavoces “Al patíbulo” de Machuca, bien sabemos lo que se viene: Weichafe, en gloria y majestad. Salvo por un pequeño detalle que derivó en una grata sorpresa, cuando al finalizar el himno de Machuca, las luces se apagan y el telón proyecta imágenes a toda velocidad. Lo que pudimos ver en ese minuto fue el estreno de un nuevo video promocional del tercer disco “Pena de Ti” para la canción “Festín de muecas”.


Inmediatamente después, el power trío de Angelo Pierattini en guitarra, Marcelo Da Venezia en bajo y Mauricio “negro” Hidalgo, toma posiciones y saludan para dar el vamos final de la jornada con “Pichanga”.


En una de sus últimas presentaciones antes de grabar su nuevo disco, Weichafe se muestra recargado y con nuevos bríos. Como siempre, dan una presentación impecable, con momentos altos por doquier. Pasan por nuestros sentidos clásicos como “5:30 am”, “Silencio”, “Pan de la tarde” y “El rock del Poncho”, entre varias más. En esta ocasión, estuvo presente en todo momento “Dios es sólo para algunos”, cuando Pierattini citó en más de una ocasión los versos de la canción, a modo de intro para canciones (o sensaciones, si se quiere) o de un intermedio para las dosis de poder habitual de los Weichafe.

Con una hora y 10 minutos de show, el que incluyó un bis a punta de clamor popular, Weichafe cerró la jornada maratónica de Rock y música, donde primaron la tolerancia y la madurez de un público que ya está reflejando el para dónde van las cosas. Lo que ocurrió el sábado 5 de agosto demuestra que eventos con carteles diversos y eclécticos son completamente logrables. Sin lugar a dudas, eventos de esa diversidad contribuyen al crecimiento de la escena local.

PD: Ya les estaré contando novedades de Fother Muckers. Por ahora, a dormir un rato.

Gram Parsons.

¿Conocen al personaje que ven en la foto? Su figura ya es mítica, como siempre pasa con los "mártires" del rock. Él, más bien, es un ángel caído del country gringo, de ese que está hecho con los elementos más crudos y básicos. Así de visceral fue Gram Parsons durante su vida terrenal.


Fue uno de los más innovadores músicos salidos de la camada de los 60, y uno de los que revitalizó las raíces con nuevas miradas. En los escasos registros que dejó en vida, es evidente la transparencia de la sencillez con la que Parsons grababa. Asimismo, Parsons fue capaz de transmitir una fragilidad pocas veces vista en la cultura popular.


Parsons, sin duda, fue uno de los mayores y más genuinos renovadores del country, género inmovilista como pocos. Representó a la perfección el espíritu del músico inquieto y adelantado a su tiempo. Ya fuera como precursor del country-rock o como inventor de lo que se dio en llamar cosmic american music, lo cierto es que este no tan típico rebelde sureño hijo de familia acaudalada (algo casi inusual si nos ponemos a ver las raíces socioeconómicas de los próceres de la música popular) supo filtrar a Merle Haggard, a Bob Dylan, a Elvis Presley y a otros muchos y crear un sonido nuevo, a caballo entre Nashville, New York y California, o lo que es lo mismo, entre el country, el folk y el rock.


Músico prolífico, talento precoz y figura casi legendaria, Parsons comenzó joven su andar pr los caminos de la música. Tras varias formaciones adolescentes, funda la International Submarine Band, su primer grupo relevante, con quienes firma un prometedor disco en Safe At Home. Luego llegaría su fichaje por The Byrds.


Sobre su llegada a The Byrds, hay algunas cosas que rescatar. Mientras Roger mcGuinn quería grabar una obra épica que recorriese la historia de la música gringa, desde las toandas folclóricas antiguas hasta el space rock, Parsons hizo wenas migas con Chris Hillman, bajista de la legendaria banda de la costa oeste, y ambos rayaban con el country de viejo cuño, ese de Hank Williams y Johnny Cash. El resultado fue una nueva dirección para el siguiente discod e The Byrds, Sweetheart Of the Rodeo, uno de los pioneros en una nueva era del country, donde el sentimiento desgarardo y casi adolescente comenzaría a hacer mella entre tanta tradición. Sin embargo, y por faltar a compromisos en vivo, Parsons fue explusado de los Byrds.


En esos años, Gram Parsons conoció a Mick Jagger y Keith Richards,a fectanmdo profundamente la dirección musical de los Rolling Stones. Fue Parsons el que los fue guiando en su gusto por el country. De inmeiato se sintió su efecto, desde el grandioso disco de los Stones para despedir la década, Let It Bleed, en adelante. Además, Parsons y Richards cultivaron una amistad que duraría hasta el fin de sus días. De hecho, la influencia de Parsons sobre Richards fue profunda, tanto en lo musical como en los vicios (ambos se hicieron adictos a la heroína a comienzos de los 70) y es la figura de Parsons la que se hace presente en esa verdadera joya de los Stones llamada Exile On Main Street.


Parsons quedó con las ganas de formar una “banda country de pelilargos” (casi un scrilegio para esos años) y funda The Flying Burrito Brothers junto a su amigo y ahora ex Byrds Chris Hillman. Con ellos alcanza a grabar dos discos, que contenían cancines dolorosamente bellas como Sin City, un descarnado relato sobre las desdichas de una ciudad como los Angeles. Es que Parsons mismos e sentía como un ángel caído, y podía escribir con honestidad al respecto. También graban Wild Horses, la canción que los Stones incluyeron en el celebrado Sticky Fingers. La leyenda dice que la canción la escribió realmente Parsons.

The Flying Burrito Brothers - Sin City

Powered by Castpost


Su fragilidad lo hizo salirse de The Flying Burrito Brothers y busca nuevos rumbos, comenzando una carrera en solitario que daría lugar a dos únicos discos: GP y Grievous Angel, éste de edición póstuma. Ambos trabajos son ciertamente esenciales (y, de hecho, la única forma de encontrarlos es en una cuidada reedición conjunta). Mientras Grievous Angel contiene joyas del calibre de Brass Buttons o Love Hurts, es en GP donde encontramos con más intensidad la esencia de su música. Con la colaboración vocal de Emmylou Harris y el lujoso respaldo musical de tres de los instrumentistas que tocaban con Elvis en Las Vegas (los cuales el mismo Parsons pagó los honorarios al negarse el sello), Parsons armoniza el country más profundo en Still Feeling Blue, con relecturas más actuales, donde una preciosa melodía es realzada de forma asombrosa por su voz triste y sutil y también con ejemplos de su incontestable capacidad para emocionar en las delicadas She y A Song For You.

Gram Parsons & Emmylou Harris - Return Of The Grievous Angel

Powered by Castpost


Su prometedora carrera se vio truncada por su fallecimiento, producto de una sobredosis de heroína, morfina y alcohol en el motel Joshua Tree Inn, cuando estaba de vacaciones en el Joshua Tree, un 19 de septiembre de 1973, el mismo año en que se editaba este debut en solitario. Contaba con tan sólo 26 años, y su muerte no hizo sino agrandar su mito: su familia reclamó el cadáver para enterrarlo en New Orleans, pero su íntimo amigo Phil Kauffman, acompañado del roadie Michael Martin, se las ingeniaron para robar el féretro con el cadáver en el aeropuerto de Los Ángeles, cumpliendo a continuación la voluntad que había expresado previamente el difunto: ser incinerado en el desierto californiano de Joshua Tree.

Si no lo han escuchado, se los sugiero. Comenten.

Acá va un video encontrado hace muy pcoo de una actuación en vivo de Gram Parsons junto a Emmylou Harris...

Neil Young - Heart Of Gold.

He estado viendo esta maravillosa película desde el Miércoles, cuando tuve la suerte de poder conseguirla. Creo que ya les había mencionado de ella anteriormente, en las evces que he escrito sobre el viejo y querido Neil Young. Heart Of Gold (la película) fue filmada en condiciones bastante especiales.


Dirigida por el genio Johnattan Demme (el realizador de las indispensables The Silence Of The Lambs y Philadelfia), el director ya había filmado a Neil Young en una ocasión anterior: en las sesiones de grabación del hermoso disco junto a Crazy Horse llamado Sleeps With Angels, de 1994, y dedicado al fallecido Kurt Cobain. Al compositor canadiense le afectó mucho la muerte del emblema de Seattle, particularmente por el hecho de que Cobain citara la línea de Hey Hey My My; recordemos que Cobain citó el "it´s better to burn out than to fade away", y Neil Young intentó ir a verlo tras una crisis, pero no pudo llegar. Todo el proceso fue registrado de manera sublime por Demme y fueron las circunstancias las que permitieron que trabajaran nuevamente juntos.


Como bien sabemos, Neil Young pasó por el proceso del aneurisma cerebral durante las sesiones del Prairie Wind en Nashville. En medio del proceso de composición y grabación junto a los músicos en la legendaria capital del country, su vida corrió peligro. Afortunadamente, se recuperó y volvió rápidamente a las sesiones, con ideas para nuevas canciones. Prácticamente todas las que compusieron finalmente el hermoso Praire Wind hablan de la familia. Y es que Neil Young siempre ha sido un tipo de familia, y lo ha reflejado en su obra y en su modo de actuar. Además, estuvo afectado en particular por el deceso de su padre. Todas estas circunstancias hicieron de Pairie Wind un testimonio personal.


La manera de estrenar al mundo estas maravillosas canciones era tocar en el legendario Ryman Auditorim de Nashville, el hogar del mítico espacio The Grand Ole Opry, que vio a las figuras fundamentales del country en increíbles sesiones en vivo (entre ellos, al gran Hank Williams). Es acá donde Neil Young y Johnathan Demme trabajan juntos nuevamente: filmar en 35 mm el concierto de estreno mundial del Prairie Wind. Así se da forma a Heart Of Gold, la película.


Es conocido el rechazo de Neil Young a las cámaras invasivas, por lo que optaron por usar lentes de amplio rango y alejar lo más posibles las cámaras del escenario. Demme aprovecha la estética natural de pradera del nuevo disco, la que se refleja en una cuidada puesta en escena. Todos son clores naturales y campestres en el Ryman Auditorium. La naturaleza de colores del escenario se complementa con los trajes de country casi formal que se ven en los músicos y en el mismo Young.


En los breaks entre canciones, Neil cuenta anécdotas y da testimonios de una manera honesta y conmovedora. La audiencia y nosotros, los espectadores, vamos enterándonos de su padre, su hija, su infancia, su esposa, su familia. Y todo lo cuenta con un tono cercano y cálido. Particularmente emotivo es cuando presenta Far From Home y Prairie Wind, al hablar de su padre recién fallecido, además de dedicarle una canción a su hija de 21 años.


No solamente se tocaron las canciones nuevas esa noche de Jueves 18 de agosto de 2005. Después del Prairie Wind completo, Neil Young y su banda subieron a interpretar clásicos indispensables de la talla de Heart Of Gold, I Am A Child, Old Man (la dedicada al capataz del rancho que Neil Young se compró a comienzos de los 70), Old King (para su perro, Elvis), Four Strong Winds y Comes A Time. Sencillamente, versiones sencillas y fieles a su espíritu original. De hecho, al menos dos músicos de los Stray Gators, la banda con la que Neil Young grabó Harvest en Nashville hace 35 años, están ahí presentes: Ben Keith, amigo de toda la vida y a cargo del slide, y Spooner Oldman, en teclados. Además, en la banda vemos figuras ilustres como la genial Emmylou Harris y Grant Boatwright, quien le consiguió a Neil Young la guitarra acústica de Hank Williams. resulta emotivo cuando, antes de tocar This Old Guitar, inspirada en Williams, dice "esta guitarra perteneció a Hank Williams y tocó ene ste lugar por última vez en 1951, y después lo vetaron. Me alegra mucho que la guitarra vuelva acá y, sin duda, nos acompaña el espíritu de Hank esta noche".


Sin lugar a dudas, el show registrado no fue uno más. Probablemnete, una de las pocas veces en que Neil Young presentaría en forma íntegra el Prairie Wind en una selecta gira que realizó tras el estreno y la inusual semana de corrido como invitado musical que hizo en el show de Conan O´Brien. Es evidente que, tras el aneurisma, Neil Young volvió con energías y temple renovados. Sigue en plena actividad, entre nuevos discos y gira con CSNY durante este verano.

Ojala hubiese llegado a las salas antes que en DVD por estos lados, pero qué le vamos a hacer. En una de esas, la exhibo en el Microcine de la Casa Central de la UC.

Consíganla pronto. Es toda una experiencia inolvidable del sonido de una harmónica pasada por un aneurisma.

Les dejo una muestra: The Painter...